Repositorio Institucional de la Universidad Nacional de Música
Not a member yet
277 research outputs found
Sort by
Musicians in motion: understanding body movement in the musical performance of clarinetists
No full textEl estudio del movimiento corporal en la interpretación musical ha ganado relevancia en las últimas décadas, especialmente en la búsqueda de una mayor comprensión de la expresividad musical. Este trabajo tiene como objetivo describir y clasificar los movimientos corporales empleados por clarinetistas durante la interpretación de la Sonata para clarinete y piano de Francis Poulenc, una obra compleja en términos de cambios dinámicos y de tempo. Bajo un enfoque cualitativo, se llevó a cabo un estudio de caso múltiple con cuatro clarinetistas que habían interpretado esta sonata. Se seleccionaron trece extractos representativos de los tres movimientos, los cuales mostraban modificaciones significativas de tempo y dinámica. Los resultados revelaron seis movimientos corporales principales y uno secundario, cuya intensidad y frecuencia variaron entre los intérpretes. Estos hallazgos contribuyen al entendimiento de cómo los músicos utilizan el cuerpo para transmitir la expresividad musical, proporcionando un aporte valioso a las teorías actuales sobre la relación entre cuerpo e interpretación en la música clásica.The study of body movement in musical performance has gained relevance in recent decades, especially in the search for a greater understanding of musical expressivity. This research aims to describe and classify the body movements employed by clarinetists during the performance of Francis Poulenc's Clarinet and piano Sonata, a complex work in terms of dynamic and tempo changes. Under a qualitative approach, a multiple case study was conducted with four clarinetists who had performed this sonata. Thirteen representative excerpts were selected from the three movements, which showed significant variations in tempo and dynamics. The results revealed six major and one minor body movements, the intensity and frequency of which varied among performers. These findings contribute to the understanding of how musicians use the body to convey musical expressivity, providing a contribution to current theories on the relationship between body and performance in classical music
Revista del Instituto de Investigaciones Musicológicas “Carlos Vega”. Año 38, Vol. 38, N° 1. Pontificia Universidad Católica Argentina, 2024
No full textEl último número de esta revista presenta a investigadores argentinos, y gran parte de ellos están o estuvieron vinculados a la Facultad de Artes y Ciencias Musicales (UCA), unidad académica, a la que pertenece el Instituto de Investigación Musicológica “Carlos Vega”. El número consta de cuatro artículos, con la misma cantidad de textos constituyen la sección de reseñas. La revista se completa con una última sección en donde se informa a la comunidad sobre las recientes novedades del IIMCV y la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA.The latest issue of this journal introduces Argentine researchers, and many of them are or were linked to the Faculty of Musical Arts and Sciences (UCA), an academic unit to which the “Carlos Vega” Musicological Research Institute belongs. The issue consists of four articles, with the same number of texts constituting the review section. The journal is completed with a final section in which the community is informed about recent developments at the IIMCV and the Faculty of Musical Arts and Sciences of the UCA
Of Criers and Knife-Sharpeners: Unlikely Connections Between the Music of Enrique Iturriaga and José Ignacio López Ramírez Gastón
No full textEste artículo examina las inesperadas conexiones entre composiciones de Enrique Iturriaga y José Ignacio López Ramírez Gastón, dos figuras importantes de la música contemporánea peruana que representan polos opuestos en el espectro de la composición musical en el Perú. A través de un análisis del discurso musical en Pregón y danza de Iturriaga y Filo errante 2.1 de López, se explora cómo ambos compositores, a pesar de sus trayectorias y métodos divergentes, encuentran un terreno común en su intento por capturar la esencia de una Lima en constante transformación. El estudio destaca cómo la innovación técnica y la riqueza temática de estas obras sirven como vehículos para expresar la nostalgia y la crítica a los cambios socioeconómicos y culturales de la capital peruana. A través de un análisis estructural y espectrográfico, se demuestra que, más allá de las diferencias estilísticas y generacionales, Iturriaga y López comparten un enfoque narrativo subyacente que refleja una preocupación común por la identidad cultural peruana. Este artículo no sólo arroja luz sobre la complejidad de la música académica contemporánea del Perú, sino que también invita a una reconsideración de las categorías estéticas tradicionales y las percepciones de la innovación en la composición musical.This article examines the unexpected connections between compositions by Enrique Iturriaga and José Ignacio López Ramírez Gastón, two figures in contemporary Peruvian music who represent opposite poles in the spectrum of musical composition in Peru. Through an analysis of the musical discourse in Iturriaga's Pregón y Danza and López's Filo errante 2.1, it explores how both composers, despite their divergent paths and methods, find common ground in their attempt to capture the essence of a constantly transforming Lima. The study highlights how the technical innovation and thematic richness of these works serve as vehicles to express nostalgia and critique of the socio-economic and cultural changes in the Peruvian capital. Through a structural and spectrographic analysis, it is shown that, beyond the stylistic and generational differences, Iturriaga and López share an underlying narrative approach that reflects a common concern for Peruvian cultural identity. This article not only sheds light on the complexity of contemporary academic music from Peru, but also invites a reconsideration of traditional aesthetic categories and perceptions of innovation in musical composition
Timba in Cuba and Peru: a comparative musical analysis between two musical bands
No full textLa timba es un fenómeno musical de gran impacto social, que expresa las emociones y protestas de un pueblo oprimido por la carencia económica que atravesaba Cuba. Es considerada como un intergénero que surge de la fusión e influencia de música estadounidense como el jazz, el funk, el rock y ritmos afrocubanos. El objetivo de este artículo es comparar y precisar las diferencias entre la timba cubana y la timba peruana, por medio del análisis musical entre dos temas de las agrupaciones NG La Banda, residente en Cuba, y Los Conquistadores de la Salsa, residente en el Perú. Los hallazgos mostraron que el tema “Fururú Farará” posee un lenguaje musical de influencia “popular comercial” y en el caso del tema “No se puede tapar el sol” se distingue la diversidad de recursos musicales bajo el predominio de la música norteamericana y afrocubana.The timba is a musical phenomenon of great social impact, and one which expresses the emotions and protests of a people oppressed by the economic lack that Cuba was going through. It is considered an intergenre that arises from the fusion and influence of American music such as jazz, funk, rock and Afro-Cuban rhythms. The objective of the article is to compare and clarify the differences between Cuban timba and Peruvian timba, through musical analysis between two songs by the groups NG La Banda, resident in Cuba, and Los Conquistadores de la Salsa, resident in Peru. The findings showed that the song “Fururu Farara” has a musical language of “commercial popular” influence and in the case of the song “No se puede tapar el sol” the diversity of musical resources is distinguished under the predominance of North American and Afro-Cuban music
Edgar Valcárcel - Invención (1966)
No full textDurante su estancia como compositor visitante en el Columbia – Princeton Electronic Music Center (Nueva York, 1967), un joven Edgar Valcárcel de alrededor de 34 años creaba su primera obra para sonidos electrónicos llamada Invención. La obra nos sumerge en una variedad de ondas sonoras electrónicas, combinadas con ruido filtrado que haciendo uso de las técnicas tradicionales de la electroacústica (corte, empalme de cinta magnética y creación de loops) dan como resultado una atmósfera sonora introspectiva e inquietante.During his stay as a visiting composer at the Columbia – Princeton Electronic Music Center (New York, 1967), a young Edgar Valcárcel, around 34 years old, created his first work for electronic sounds called Invención. The work immerses us in a variety of electronic sound waves, combined with filtered noise that, making use of traditional electroacoustic techniques (cutting, splicing magnetic tape and creating loops) results in an introspective and disturbing sound atmosphere
Hermanos Díaz Barraza: recopilación y análisis de su obra musical
No full textLos Hermanos Díaz Barraza fue un dúo de compositores criollos que creó su producción musical entre las décadas de 1950 y 1980. A pesar de contar con un amplio repertorio, sus canciones corren el riesgo de pasar al olvido, ya que solo se conservan en la memoria de sus círculos familiares y amicales. Por ello, uno de los objetivos de este artículo es reconocer y difundir la obra de estos compositores. Para lograrlo, se recopilaron sus canciones y se realizaron entrevistas, transcripciones y análisis musical de tres piezas. Los resultados del análisis comparativo determinaron una evolución en su estilo compositivo, y afirmaron la importancia histórica de la obra musical de los compositores para la música criolla, especialmente para el distrito de Breña, vecindario donde crecieron y vivieron la mayor parte de sus vidas.The Díaz Barraza Brothers were a duo of criollo composers who created his musical production between the 1950s and 1980s. Despite having a wide repertoire, his songs run the risk of being forgotten, since they are only preserved in memory. from his family and friends circles. Therefore, one of the objectives of this article is to recognize and disseminate the work of these composers. To achieve this, his songs were collected and interviews, transcriptions and musical analysis of three pieces were carried out. The results of the comparative analysis determined an evolution in his compositional style, and affirmed the historical importance of the composers' musical work for criolla music, especially for the district of Breña, a neighborhood where they grew up and lived most of their lives
Ladislao Landa Vásquez (2022). Los Caminos de la Música. Géneros populares andinos en la segunda mitad del siglo XX. Lima y Foz de Iguazú: Yolanda Carlessi Ediciones
No full textLos Caminos de la Música. Géneros populares andinos en la segunda mitad del siglo XX es el nombre del libro que pone en consideración el antropólogo y etnomusicólogo peruano Ladislao Landa y que reproduce, casi sin actualizaciones, su tesis de licenciatura en antropología, presentada el año 1992 en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, así como tres artículos suyos sobre música andina peruana a finales del siglo XX y principios del siglo XXI, además de un anexo con las entrevistas que sirvieron de base para su tesis y que fueron realizadas por él, por la antropóloga Lucy Núñez Rebaza y el músico y comunicador social Isaac Vivanco en los años ochenta, en el marco de un proyecto de investigación dirigido por el compositor e investigador estadounidense John Cohen.The Paths of Music. Andean Popular Genres in the Second Half of the 20th Century is the name of the book considered by the Peruvian anthropologist and ethnomusicologist Ladislao Landa and which reproduces, almost without updates, his undergraduate thesis in anthropology, presented in 1992 at the Universidad Nacional Mayor de San Marcos, as well as three of his articles on Peruvian Andean music at the end of the 20th century and the beginning of the 21st century, in addition to an appendix with the interviews that served as the basis for his thesis and that were conducted by him, the anthropologist Lucy Núñez Rebaza and the musician and social communicator Isaac Vivanco in the 1980s, within the framework of a research project directed by the American composer and researcher John Cohen
Alejandro Núñez Allauca, Gravitación Humana (1970): Más allá de la melodía
No full textEn la década de 1960 la música electrónica emergía como un campo innovador y experimental, pero su producción no se basaba en los medios digitales como lo conocemos hoy en día. En cambio, los pioneros de la música electrónica trabajaban con equipos analógicos que les permitían generar, registrar y manipular sonidos de manera revolucionaria. En este contexto, surge una obra destacada conocida como Gravitación Humana del compositor Alejandro Nuñez Allauca, que encapsula la esencia de la música electrónica y concreta de la época.In the 1960s, electronic music was emerging as an innovative and experimental field, but its production was not based on digital media as we know it today. Instead, electronic music pioneers worked with analogue equipment that allowed them to generate, record and manipulate sounds in revolutionary ways. In this context, a remarkable work known as Gravitación Humana by composer Alejandro Nuñez Allauca emerged, encapsulating the essence of electronic and concrete music of the time
Entrevista a Arturo Ruiz del Pozo (1949) por Julio Mendívil
No full textArturo Ruiz del Pozo es uno de los compositores más prolíficos de la música electrónica peruana de las últimas décadas. Según Alvarado, Arturo Ruiz del Pozo fue el primero en fusionar sonoridades provenientes de las tradiciones indígenas del Perú con músicas electrónicas. Su trabajo, afirma, “coincide con el surgimiento de una nueva generación de músicos peruanos que empieza a darse a conocer iniciada la década de los ochenta y que van a desarrollar propuestas de fusión de lo ancestral y lo vanguardista”.Arturo Ruiz del Pozo is one of the most prolific composers of Peruvian electronic music in recent decades. According to Alvarado, Arturo Ruiz del Pozo was the first to fuse sounds from indigenous Peruvian traditions with electronic music. His work, he says, “coincides with the emergence of a new generation of Peruvian musicians who began to make themselves known in the early 1980s and who are going to develop proposals that fuse the ancestral and the avant-garde.
“To keep one's sanity": experiences of the practice of songwriting duringthe COVID-19 pandemic
No full textEste estudio explora las experiencias de songwriting durante la pandemia de COVID-19, con el fin de comprender cómo circunstancias excepcionales afectaron la creatividad y el proceso compositivo de los músicos. Se realizó un estudio fenomenológico con cinco participantes de diferentes especialidades, residentes en el Perú, utilizando entrevistas semiestructuradas. Las transcripciones se codificaron y analizaron temáticamente. Como resultado, se generaron dos categorías teóricas: a) procesos y uso de herramientas tecnológicas para la creación musical y b) impacto de la pandemia en la práctica del songwriting. Se identificaron similitudes en los procesos de composición y variantes en cómo la pandemia influyó en las temáticas abordadas. Las experiencias documentadas en este estudio enriquecen el conocimiento teórico sobre los procesos y etapas de la composición de canciones. Además, ofrecen a los músicos herramientas para afrontar futuras adversidades, fortaleciendo su resiliencia y adaptación ante los desafíos.This study explores songwriting experiences during the COVID-19 pandemic, in order to understand how exceptional circumstances affected musicians' creativity and compositional process. A phenomenological study was carried out with five participants from different specialties, residing in Peru, using semi-structured interviews. Transcripts were coded and analyzed thematically. As a result, two theoretical categories were generated: a) processes and use of technological tools for musical creation and b) impact of the pandemic on songwriting. Similarities were identified in the composition processes and variants in how the pandemic influenced the topics addressed. The experiences documented in this study enrich theoretical knowledge about the processes and stages of songwriting. In addition, they offer musicians tools to face future adversities, strengthening their resilience and adaptation to challenges