Studia Germanica Posnaniensia
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Diverse Accomplices - Posthuman "Partners in Crime" with Olga Tokarczuk and Saša Stanišić
Full text linkUm über Beziehungen zwischen Menschen und mehr-als-menschlichen Anderen nachzudenken, sind post-anthropozentrische Werkzeuge nötig. Alternative Modelle von Kollektivität müssen von vornherein auf heterogene Akteur*innen ausgelegt sein, um den interspezifischen Verwobenheiten und Interdependenzen unserer postmodernen Welt gerecht zu werden. In Saša Stanišićs Erzählung Fallensteller und in Olga Tokarczuks Roman Der Gesang der Fledermäuse gehen menschliche und mehr-als-menschliche Protagonist*innen außergewöhnliche Beziehungen miteinander ein. Diese werden hier unter Zuhilfenahme von Gesa Ziemers Theorie zu Kompliz*innenschaft als Multispecies-Kompliz*innenschaften analysiert. Dieser neue Blick auf mehr-als-menschliche Zusammenarbeit soll über die Literaturwissenschaft hinaus die Möglichkeit bieten, vielartige Kollektive zu erforschen.Post-anthropocentric tools are needed to think about relations between humans and more-than-human others. In order to meet the challenges of the interspecific entanglements and interdependencies of a postmodern world, alternative models of collectivity must be designed from scratch with heterogeneous actors in mind. In Saša Stanišićʾs narrative Fallensteller [Trapper] and Olga Tokarczukʾs novel Drive Your Plow Over the Bones of the Dead, human and more-than-human protagonists engage in extraordinary relationships with each other. These are analyzed here based on Gesa Ziemer’s theoretical work on complicities as ‘multispecies complicities’. This new perspective on more-than-human collaborations aims to go beyond literary studies to explore multispecies collectives
Goethes\u27s "Märchen" and Essays on "Spiral Tendency" - a Posthumanist Reading
No full textDas Märchen ist der Abschluss von Goethes Erzählzyklus Unterhaltungen deutscher Ausgewanderten und als unlösbares Rätsel angelegt. In dieser Eigenschaft bietet es sich als experimenteller Verhandlungsort epistemologischer Grundsatzfragen an, wie sie in jüngster Zeit von kritisch-posthumanistischen Theorien formuliert werden. Die Figuren der Irrlichter und Schlange dieses Textes von 1795 repräsentieren in dem hier vorliegenden Versuch Goethes Kritik am wissenschaftlichen Systemdenken um 1800, für welches er mit zwei späten Aufsätzen zur Spiraltendenz 1831 eine Alternative zu konzipieren weiß. Ausgehend von Fragen des Einflusses auf Theoriebildungen der Gegenwart, zeigen sich Goethes wissenschaftskritische Überlegungen damit erstaunlicherweise in nächster Verwandtschaft zu Forderungen nicht-anthropozentrischer Erkenntniskonzepte.The Märchen completes Goethe’s narrative cycle Unterhaltungen deutscher Ausgewanderten and is composed as an unsolvable puzzle. In that capacity, it serves as an experimental venue for epistemological questions, as expressed by critical posthumanist theories. The figures of the will-o’-the-wisps (Irrlichter) and the snake, appearing in this 1795 text, represent Goethe’s aversion to systematic thought in the natural sciences around 1800. As an answer to this tradition of scientific reasoning, he proposes an alternative perspective in his late essays on the Spiral Tendency in 1831. In the context of examining the emergence of new theories in our present, Goethe’s critical reflections show a surprising affinity to non-anthropocentric claims of knowledge production
On the Question of the Human in Contemporary Theatre - A Diffractive Reading of "Still Life. A Chorus for animals, people and all other lives" (Marta Górnicka, 2021) and "Die Kränkungen der Menschheit" (Anta Helena Recke, 2019)
Full text linkDer Aufsatz untersucht zwei Beispiele aus dem deutschsprachigen Gegenwartstheater im Hinblick auf Ästhetiken des Posthumanen. Obwohl das Theater von und für Menschen gemacht ist, wird argumentiert und nachgewiesen, dass beide Beispiele eine historische Konfiguration von Menschen und Menschlichkeit befragen und schließlich negieren. In Marta Górnicka’s Still Life (2021 Maxim-Gorki-Theater, Berlin) und Anta Helena Recke’s Die Kränkungen der Menschheit (2019 Münchner Kammerspiele, München) wird die Frage nach dem Menschlichen verschiedentlich, aber ästhetisch ähnlich – nämlich mit einem vielstimmigen Chor – verhandelt. Während in Gornicka’s Inszenierung eine Anklage der westlichen, eurozentrischen Menschlichkeit und dessen gewaltvollen Ausschlusspraktiken aufgezeigt wird, vollführt die Inszenierung von Recke eine – wenn nicht gar die – Kränkung an einem eurozentrisch geprägten Begriff vom Menschen durch einen selbstverständlichen Auftritt eines Chores von Women of Color, der nicht an westliche ästhetische Normen und deren epistemische Verankerung gebunden ist. Beide Inszenierungen verwenden ästhetische Strategien, die Welten „nach“ der eurozentrischen Figuration des Menschen einfordern und daher zu „Ästhetiken des Posthumanen“ gezählt werden können.The essay examines two examples from contemporary German-speaking theatre in relation to aesthetics of the posthuman. Although theatre is made by and for humans, I show how both examples interrogate and ultimately negate a historical configuration of the human and of humanity. In Marta Górnicka’s Still Life (2021 Maxim-Gorki-Theater, Berlin) and Anta Helena Recke’s Die Kränkungen der Menschheit (2019 Münchner Kammerspiele, Munich), the question of the human is negotiated differently but aesthetically similarly – namely with a many-voiced chorus. While Gornicka’s production performs an indictment of Western, Eurocentric humanity and its violent exclusionary practices, Recke’s production performs a – if not the – insult of a Eurocentric conception of humanity through a performance by a choir of women of colour who are not bound to Western aesthetic norms and their epistemic embedding. Both productions use aesthetic strategies that demand worlds “after” the Eurocentric figuration of the human and can therefore be described as “aesthetics of the posthuman”
An investigation without a pug is possible, but pointless. Human-Animal-Relations as sources od uncertainty and deconventionalization in Crime Fiction
Full text linkDer Beitrag nimmt am Beispiel der Romanreihe Ein Fall für Commissaire Leclerc die Transformation der in der Kriminalliteratur bekannten Ermittler-Begleiter-Dyade in den Fokus. Durch den interspezifischen Dialog zwischen Ermittler Albin Leclerc und Mops Tyson sowie das Wechselspiel aus Anthropomorphisierung und Dehumanisierung der Figuren brechen die Erzählungen ehemals klare Genregrenzen auf und kreieren über wiederholte Unsicherheiten eine Ästhetik des ‚Dazwischen‘, der sich die Leser*innen beständig ausgesetzt sehen.This paper investigates the transformation of the well-known detective-companion-dyad in crime fiction by analyzing the series of books Ein Fall für Commissaire Leclerc. The evidence suggests that the interspecific dialogue between detective Albin Leclerc and his pug dog, Tyson, as well as the interplay of strategies of anthropomorphism and dehumanization of the characters, are deconstructing formerly clear boundaries of the genre. By the repeated production of uncertainties, the novels create an aesthetics of the ‘in between’ with which the readers are constantly confronted
Disruptive Innovation or Design? Posthumanist Perspectives on Prometheus in Discourses of Literature, Labour and Agency
Full text linkAls Schöpferfigur wird Prometheus in Überlegungen über Literatur angeführt; als Bild für den autonomen Menschen, der sich seine Welt durch Arbeit selbst schafft, illustriert die Figur Debatten über die Arbeit des Menschen. Seit Ihab Hassans Text Prometheus as Performer: Toward a Posthumanist Culture (1977) ist die Figur des Prometheus eng mit dem Konzept des Posthumanismus verbunden (Franssen 2014). Wichtig sind hier besonders Überlegungen zur „disruptiven Innovation“ (Schumpeter), Innovation beruhe immer auf Zerstörung. Demgegenüber stehen Latours Überlegungen von Design als Werk eines „vorsichtigen Prometheus“ (Latour 2008). Sowohl „Literatur“ als auch „Arbeit“ beschreibt ein Verhältnis des Menschen zur Welt, dessen Konzeption dem historischen Wandel unterworfen ist. Beide Verhältnisse werden diskursiv geprägt. Der Beitrag geht der Frage nach, wie diese Verhältnisse in literarischen Texten mit Referenz auf die Prometheus-Figur ausgearbeitet werden. Der Beitrag beschäftigt sich mit Texten, in denen die Prometheus-Figur für eine Reflexion über Literatur selbst und über Vorstellungen von Arbeit und Produktion herangezogen wird: entweder als disruptive Innovation oder als vorsichtiges Design.As a creator figure, Prometheus is invoked in reflections on literature; as an image for autonomous human agency creating the human world through work, the figure illustrates debates about human labour. Since Ihab Hassan’s text Prometheus as Performer: Toward a Posthumanist Culture (1977), the figure of Prometheus has been closely associated with the concept of posthumanism (Franssen 2014). Especially important here are considerations of “disruptive innovation” (Schumpeter); innovation is always based on destruction. In contrast, Latour writes about design as the work of a “cautious Prometheus” (Latour 2008). Both “literature” and “work” describe a relationship of human agency and the world, the conception of which is subject to historical change. Both relations are discursively shaped. This paper explores how these relations are elaborated in literary texts with reference to the Prometheus figure. The paper looks at texts in which the Prometheus figure is drawn upon for a reflection on literature itself and on notions of labour and agency: either as disruptive innovation or as careful design
„More human than human?“A comparative analysis of the Cyborg Figure and Body-Soul Dichotomy in „Blade Runner (1982)“ und ”Blade Runner 2049 (2017)”
No full textAus einer doppelten Dezentrierung wird das posthumane Subjekt als Alternative zum traditionellen Subjekt verstanden, welches seit der Aufklärung als liberal-humanistisches Subjekt (d.h. rational und autonom) definiert wird, und muss nicht nur den Anthropozentrismus beseitigen, sondern sich auch von der individualisierten, auf das Bewusstsein zentrierten Sicht des Subjekts lösen. In den zwei ausgewählten dystopischen Science-Fiction-Filmen Blade Runner (1982) und Blade Runner 2049 (2017) wird die aus Donna Haraways Manifest stammende Figur des Cyborgs behandelt und als neue Deutungsmöglichkeit von der menschlichen Existenz betrachtet. Die mediale Adaption des Posthuman-Motivs macht den Körper selbst zum Grenzgänger und ermöglicht das Auflösen der Grenzen. Unter Fokussierung der filmischen Darstellung der Menschmaschinen und Maschinenmenschen, soll die Verflechtung von Mensch, Technik und Geschlecht, sowie das existentielle Dilemma analysiert werden, da die Frage letztendlich auf eine filmische Inszenierung von Dualismus der unsterblichen Seele und des unfruchtbaren Körpers (Reproduktion des Cyborg-Körpers) rekurriert.Seen from a double de-centering perspective, the posthuman subject is understood as an alternative to the traditional subject theory, which has been defined as the liberal-humanist subject (i.e. rational and autonomous) since the Enlightenment. The posthuman subject not only eliminate anthropocentrism but also liberate itself from the individualized view of the subject, which is centered on consciousness. In the two selected dystopian science fiction films Blade Runner (1982) and Blade Runner 2049 (2017), the cyborg figure, which originates from Donna Haraway’s manifesto, is treated and considered as a new interpretative possibility of human existence. The media adaptation of the posthuman motif makes the body itself a border crosser and enables the dissolution ofboundaries. Focusing on the cinematic version of human machines and machine men, the intertwining of human, technology and gender, as well as the dilemma of existence will be analyzed, as the question ultimately recurs to a cinematic representation of the dualism between the immortal soul and the infertile body (reproduction of the cyborg body)
Seeing and being seen. Human-animal relations between reality and illusion in David Wiesner\u27s picture book "Flotsam"
Full text linkDas Bilderbuch Flotsam zeigt einen Jungen, der am Strand Tieren begegnet und mit einem Treibgut, einer Analogkamera, eine ungewöhnliche Unterwasserwelt entdeckt. Im Buch wird das Mensch-Tier-Verhältnis dialektisch im Kontext der visuellen Wahrnehmung reflektiert, wobei die Kunst, nämlich die Foto- und bildende Kunst, sowie die Literatur als Medien zur Reflektion vorgeführt werden.The picture book Flotsam depicts a boy who meets animals at a beach and finds an analog camera as flotsam, with which he discovers a peculiar underwater world. In the book, human-animal-relations are reflected dialectically in the context of visual perception with art, namely photography and fine arts, as well as literature, being used as the medium of reflection
The involution of transformation. Posthumanistic thoughts in Elias Canetti\u27s "Crowds and power"
Full text linkIn seinem philosophischen Hauptwerk Masse und Macht suspendiert Elias Canetti die für die abendländische Metaphysik zentrale Differenz von Natur und Kultur, indem er im Anschluss an Friedrich Nietzsche das menschliche Verhältnis zur belebten und unbelebten Natur unter dem Begriff der Verwandlung diskutiert, der den dionysischen Prozess einer psychophysischen Meta- morphose bezeichnet. Die Verwandlung verbindet intensive Affekte, materielle Partikel und die freie Variation dichter Zeichen zu einem symbolischen Gefüge, das einen transversalen Kommunikations- und Austauschprozess zwischen dem menschlichen und animalischen Organismus anstößt. Dieses postanthropozentrische Erkenntnismodell entfaltet Canetti auf Basis einer phänomenologischen Annäherung an psychotische Grenzerfahrungen. Während er das schizoide Erleben intensiver Affektströme als ein paradigmatisches Beispiel für den gewaltfreien Austausch des Menschen mit der Natur betrachtet, erkennt er in den Krankheitsmustern der Paranoia die grundlegenden Strukturen der Macht wieder, die die Verwandlung zugunsten einer instrumentellen Beherrschung der Natur und der sozialen Interaktionen unterbinden. Die Paranoia der Macht ist für Canetti zugleich die Paranoia eines seit Aristoteles tief in der abendländischen Philosophie- und Wissenschaftsgeschichte verankerten Rationalitätskonzepts, das das Menschliche in Abgrenzung zu der es umgebenden Natur zu definieren versucht.In his main philosophical work Crowds and Power, Elias Canetti suspends the difference between nature and culture, which is central to the Western metaphysics, by following Friedrich Nietzsche’s discussion of the human relationship to animate and inanimate nature under the concept of transformation, which denotes the Dionysian process of a psychophysical metamorphosis. The transformation combines intense affects, material particles and the free variation of dense signs into a symbolic structure that initiates a transversal communication and an exchange process between the human and animal organism. Canetti unfolds this post-anthropocentric cognitive model on the basis of a phenomenological approach to psychotic borderline experiences. While he considers the schizoid experience of intense currents of affection as a paradigmatic example of the non-violent interchange of man with nature, he recognizes in the disease patterns of paranoia the fundamental structures of power that prevent transformation in favor of the instrumental domination of nature and social interactions. For Canetti, the paranoia of power is at the same time the paranoia of a concept of rationality that has been deeply rooted in the history of Western philosophy and science since Aristotle, and which tries to define the human as distinct from the nature surrounding it
Border Negotiations. Narratives of the Posthuman in "Ruf der Tiefe" by Katja Brandis and Hans-Peter Ziemek
Full text linkDer vorliegende Beitrag erschließt Narrative des Posthumanen in Katja Brandis und Hans-Peter Ziemeks Roman Ruf der Tiefe (2011). Dabei wird das Augenmerk auf literarische Darstellungsweisen von Hybridisierungsprozessen und Verwobenheiten zwischen Natur und Kultur gerichtet. Die Studie stützt sich auf Posthumanismus-Ansätze nach der neu-Deleuzianischen Theoretikerin Rosi Braidotti und fragt besonders danach, wie anthropozentrische hierarchische Dynamiken literarisch überwunden werden und neue nomadische Subjektkonstitutionen ästhetisch perspektiviert werden. Ferner wird die Rekonfiguration der Beziehung zu einem gemeinsamen Lebensraum in Brandis und Ziemeks Roman untersucht.This paper explores narratives of the Posthuman using the novel Ruf der Tiefe (2011) by Katja Brandis and Hans-Peter Ziemek. The study pays special attention to literary ways of addressing hybridization processes as well as interconnections between nature and culture. The work refers to theoretical concepts of Posthumanism according to the neo-Deleuzian Rosi Braidotti. The article is aimed at analyzing how anthropocentric hierarchical dynamics are challenged and how new nomadic ways of becoming are depicted in the selected novel. Furthermore, the study investigates the re-configuration of the human’s relation to nature as common ground as addressed by Brandis and Ziemek
Matter’s Performance in Christoph Schlingensief’s “Animatographische Editionen”
Full text linkGerman director Christoph Schlingensief’s Animatographische Editionen (2004-06) included a series of three geographically-distinct labyrinthine walkthrough installations with a constellation of rooms and rotating platforms, leading to an Animatograph – a spinning carousel of material upon which videos were projected. Diverging from the current tendency in Schlingensief scholarship towards Niklas Luhmann’s systems theory, this paper focuses on the role of material in the Animatograph to show how it sympoietically enfolds autopoietic systems of communication. In particular, I investigate how humans explored the installations’ tight spaces, foul smells, swirling sights and cacophony of sounds, transforming materials and animals into performers. To do so, I derive concepts from Rebecca Schneider, Karen Barad and Donna Haraway to argue that in the encounter with the human, matter looks, touches back, and performs. In addition to providing a compelling site to investigate the intra-active entanglements of humans, animals, and materials in an aesthetic context, Schlingensief’s Animatograph allows us to see the ongoing (re)configuration of these entanglements, putting posthumanist performativity on display and highlighting the aesthetic contributions of the non-human