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AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 47-71Este artículo pretende estudiar el protagonismo de las manos en el cine
de Terrence Malick, y su capacidad para significar el lenguaje propio de la
persona humana. Algunos filósofos recientes afirman, en sintonía con el
pensamiento clásico, que la persona humana se distingue por una singular
apertura a cuanto le rodea y, de forma especial, a las otras personas,
con las cuales puede establecer vínculos profundos basados en el amor
recíproco y la intimidad compartida. Las películas de Malick, herederas de
una tradición cinematográfica que se remonta a Robert Bresson, tratan de
mostrarnos cómo las manos expresan esta apertura de la persona. Nuestro
estudio se centra en una selección de escenas de sus nueve largometrajes de
ficción, desde Malas tierras hasta Vida oculta, que retratan tres momentos del
desarrollo de la persona: ruptura, reconciliación y comunión.
This article aims to study the prominence of hands in the cinema of
Terrence Malick, as well as their capacity to signify the language peculiar to
the human person. Some recent philosophers affirm, in line with classical
thought, that the human person can be distinguished by a singular openness towards everything that surrounds her and, most notably, towards other
people, with whom she can establish profound ties founded on mutual
love and shared intimacy. The films of Malick, inheritors of a cinematic
tradition that goes back to Robert Bresson, try to convey how hands can
express this openness of the human person. Our study is focused on a
selection of scenes from his nine fiction feature films, from Badlands to A
Hidden Life, that portray three landmarks in the path of personal growth:
rupture, reconciliation, and communion
AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 113-130El objetivo del presente artículo es el análisis de la obra del director de
cine clásico japonés Yasujiro Ozu desde la perspectiva del personalismo
fílmico, entendido como el modo de concebir el cine basado en la
centralidad de la persona en el relato fílmico, que se desarrolla desde
la responsabilidad creativa del director, y que favorece y fortalece la
personalidad de los actores, y de su equipo de colaboradores.1
Esta perspectiva parte, a su vez, de los postulados sobre el
personalismo integral desarrollados por el filósofo Juan Manuel Burgos,
que tienen sus raíces en las aportaciones de Karol Wojtyla sobre la
f
ilosofía personalista.
En concreto, se analizarán las películas del cineasta que tuvieron lugar
en el último período de su carrera, comprendido entre 1948 y 1962, por
ser aquellas en las que desplegó su mayor potencial y mostró su lado
más humanista. En dicho período regresó de Singapur, donde fue hecho
prisionero de guerra sin que pudiera retomar su carrera hasta 1947.
Estas películas fueron las que mayor difusión tuvieron en Occidente, lo que puede explicarse con base en que en dicho período el director había
alcanzado una cierta madurez estilística y profesional, ya que tal como
sostenía Santos Aparicio, se encontraba en «una época de plenitud creativa
en la que el artista era dueño de todos los recursos propios de una dilatada
experiencia profesional».
The aim of this article is the analysis of the work of the classic Japanese
f
ilm director Yasujiro Ozu from the perspective of filmic personalism,
understood as the way of conceiving cinema based on the centrality of the
person in the filmic story, which is developed from the creative responsibility
of the director and which favors and strengthens the personality of the
actors and of his team of collaborators.3
This perspective starts, in turn, from the postulates on integral
personalism developed by the philosopher Juan Manuel Burgos, which
have their roots in the contributions of Karol Wojtyla with regard to the
personalistic philosophy
Specifically, the films of the filmmaker which will be analysed are the
ones that took place in the last period of his career, between 1948 and 1962,
as those in which he displayed his greatest potential and showed his most
humanistic side. In that period he returned from Singapore, where he was
taken prisoner of war and was not able to resume his career until 1947.
These films were the most widely distributed in the West, which can be
explained on the basis that in that period the director had reached a certain
stylistic an.d professional maturity, since, as Santos Aparicio argued, he
was in "a period of creative plenitude in which the artist was the owner of
all the resources of a long professional experience"
AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 21-44Este trabajo relaciona el concepto de «tono» de Stanley Cavell con los
rasgos en su filosofía del cine de un modelo antropológico convergente
con el personalismo filosófico y fílmico. La noción cavelliana no se reduce
a un modo genuino de filosofar. Remite a verdades más profundas que
ligan la voz humana a la centralidad de la dignidad, el reconocimiento
del otro, la igualdad varón-mujer y la narratividad de la propia vida. Esta
reflexión se sostiene en la experiencia de las películas que Cavell vuelca en
sus textos filosófico-fílmicos sobre un grupo de comedias y melodramas
del Hollywood clásico. Las lecturas de los filmes Adam’s Rib y Gaslight que
con mayor literalidad expresan los dilemas en torno a la voz revelan el
poder del cine como locus del amor y del milagro.
This work relates Stanley Cavell’s concept of «tone» with the features
in his philosophy of cinema of an anthropological model converging with
philosophical and filmic personalism. The Cavellian notion is not reduced
to a genuine way of philosophizing. It refers to deeper truths that link the
human voice to the centrality of dignity, the recognition of the other, gender
equality and the narrative of one’s own life. This reflection is supported by
the experience of the films that Cavell turns in his philosophical-film texts
on a group of classic Hollywood comedies and melodramas. The readings
of the films Adam’s Rib and Gaslight, which more literally the dilemmas
surrounding the voice, reveal the power of cinema as a locus of love and
miracle
AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 169-195Los elementos más significativos de la cultura visual son aquellos
transmitidos a través de la televisión (producciones seriales), entendida
como un entorno audiovisual, debido al gran alcance mediático que esta
presenta. Para este estudio, se parte de un paradigma socio-educativo
y socio-crítico y se sigue una metodología de investigación mixta. Por
un lado, se utilizan métodos cualitativos para la revisión crítica de los
productos audiovisuales seleccionados (los primeros capítulos del serial
televisivo de animación Las supernenas). Por otro lado, se cuantifican los
resultados sobre la construcción de la maldad. Se concluye generando una
comparativa y sinergia entre dichos hallazgos y los de otros estudios en
cuanto a confección estética y ética maniquea de las figuras perversas en
los productos de animación.
The most significant elements of visual culture are those transmitted
through television (series products), as audiovisual environment, due to
the great media reach it presents. For this study, it starts from a socio
educational and socio-critical paradigm and follows a mixed research
methodology. On the one hand, this paper is based on qualitative methods
in order to facilitate a critical review of the selected audiovisual product
(the first chapters of the animated television serial Las supernenas). On the
other hand, we quantify the results on the construction of evil. It concludes
by generating a comparison and synergy between these findings and those
of other studies in terms of aesthetic and Manichean ethical confection of
the perverse figures in the products of animation
AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 73-111Los profesores José Sanmartín y José Alfredo Peris-Cancio han dedicado
diferentes trabajos a lo largo de los últimos años a la elaboración de una
propuesta metodológica de aplicación del personalismo integral de Juan
Manuel Burgos y Karol Wojtyla a la reflexión filosófica y antropológica desde
la experiencia cinemática. Su contribución se ha circunscrito principalmente
al ámbito del Hollywood clásico y, en concreto, a la obra de directores como
La Cava, Capra, McCarey, Leisen, Koster o Ford. El presente estudio parte
de dicha propuesta, así como de trabajos específicamente dedicados a Ford,
y tiene como objetivo descender al análisis y la lectura filosófica-fílmica de
algunas de las películas “mudas” del genio de Maine, para esclarecer la
eventual comparecencia de rasgos personalistas en los inicios de su obra.
Professors José Sanmartín and José Alfredo Peris-Cancio have devoted
several works over the last few years to the elaboration of a methodological proposal for the application of the integral personalism of Juan Manuel
Burgos and Karol Wojtyla to philosophical and anthropological reflection
from the cinematic experience. His contribution has been mainly confined
to the sphere of classic Hollywood and, more specifically, to the work of
directors such as La Cava, Capra, McCarey, Leisen, Koster or Ford. The
present study is based on this proposal, as well as on works specifically
dedicated to Ford, and aims to descend to the analysis and philosophical
filmic reading of some of the "silent" films of the genius from Maine, to
clarify the eventual appearance of features personalists at the beginning of
his work
AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 133-167En esta contribución se profundiza en la noción de «personalismo
fílmico» y —siguiendo la indagación impulsada por Sanmartín Esplugues y
Peris-Cancio— se defiende que esta noción no se circunscribe al Hollywood
de los años treinta y cuarenta del siglo XX —con antecedentes en los finales
de los años veinte y secuelas en los cincuenta del siglo XX—, sino que ha
encontrado eco en el cine europeo. Más aún: ese eco ha acontecido no
solamente después de la Segunda Guerra Mundial (Rossellini, Bresson…),
sino que también ha proyectado su influencia en el cine contemporáneo
(Jean Pierre y Luc Dardenne, Aki Kaurismäki…). En esta última mención
referida al cine contemporáneo por parte de Sanmartín Esplugues y
Peris-Cancio (que ilustra un elenco de directores de cine contemporáneo
no numeroso, pero tampoco cerrado, y que podría adscribirse —con las
debidas matizaciones— al personalismo fílmico), es donde hemos situado
el punto de partida de nuestra investigación.
El propósito de esta contribución es dar respuesta a la siguiente pregunta
de investigación: ¿podemos concebir la filmografía de director alemán
Florian Henckel von Donnersmarck (1973- ) y, más en concreto, su modo
de tratar la afectividad humana, como un ejemplo de personalismo fílmico?
Para responder a esa cuestión, y antes de indagar en los rasgos esenciales del personalismo fílmico, delimitamos los caracteres propios de la filosofía
cinemática del filósofo de Harvard Stanley Cavell y del personalismo integral
promovido por el filósofo español Juan Manuel Burgos, pues consideramos
que ambas propuestas proporcionan fundamentos epistemológicos de
gran entidad para el personalismo fílmico. A continuación, la presente
investigación profundiza en las características que identifican el cine de los
directores que pudieran adscribirse al personalismo fílmico. Posteriormente
se indaga en las notas más relevantes de las tres creaciones fílmicas más
destacadas de Henckel von Donnersmarck: La Vida de los Otros (2006), The
Tourist (2010) y La sombra del pasado (2018).
Finalmente, hemos procurado extraer un número significativo de elementos
asumidos por el personalismo fílmico en los guiones de las tres películas
mencionadas; hecho que nos llevará a defender la existencia de vestigios de
personalismo en la filmografía de Henckel von Donnersmarck.
This contribution delves into the notion of «film personalism», and —
following the investigation promoted by Sanmartín Esplugues and Peris
Cancio— defends that this notion is not limited to Hollywood in the 1930s
and 1940s —with antecedents in the end of the twenties and sequels in
the fifties of the twentieth century —but has found an echo in European
cinema. Furthermore: this echo has occurred not only after the Second
World War (Rossellini, Bresson…), but has also projected its influence on
contemporary cinema (Jean Pierre and Luc Dardenne, Aki Kaurismäki…).
It is in this last mention referring to contemporary cinema by Sanmartín
Esplugues and Peris-Cancio (which illustrates a list of contemporary film
directors that is not numerous, but not closed either, and which could be
ascribed —with due qualifications— to filmic personalism), where we have
located the starting point of our research.
The purpose of this contribution has been to try to answer the following
research question: can we conceive the filmography of German director
Florian Henckel von Donnersmarck (1973- ) and more specifically, his
way of treating human affectivity, as an example of filmic personalism?
To answer this research question, and before investigating the essential
features of filmic personalism, we have tried to delimit the characters of the cinematic philosophy of Harvard philosopher Stanley Cavell and the
integral personalism promoted by the Spanish philosopher Juan Manuel
Burgos, because we consider that both proposals provide epistemological
foundations of great entity for filmic personalism. Next, this research
delves into the characteristics that identify the cinema of directors who
could be ascribed to film personalism. Subsequently, the most relevant
notes of the three most outstanding film creations of von Donnersmarck
are investigated: The Lives of Others (2006), The Tourist (2010) and Never Look
Away (2018). Finally, an attempt is made to extract a significant number of
elements assumed by filmic personalism in the scripts of the three films
mentioned; a fact that will lead us to defend the existence of vestiges of
filmic personalism in the filmography of von Donnersmarck
AYLLU - SIAF: Revista de la Sociedad Iberoamericana de Antropología Filosófica (SIAF)
No full textpáginas 197-237La obra de Aki Kaurismäki es muy apreciada en nuestros días. No deja
indiferente ni con respecto a su estilo ni a sus contenidos, que están expuestos
con un sello propio inconfundible. Es aconsejable analizar ambos aspectos
de manera conjunta, buscando una categoría que los englobe. Así en esta
contribución argumentamos que el autor desarrolla, de modo análogo a
lo que ocurre en el caso de directores del Hollywood clásico como Frank
Capra, Leo McCarey, John Ford, Frank Borzage, Mitchell Leisen o Gregory
La Cava lo que en otros escritos calificamos como personalismo fílmico. En
su caso, proponemos caracterizarlos como «el personalismo fílmico de la
perdedora (perdedor) que expresa su dignidad con el amor y la amistad».
Justificamos esta caracterización en tres etapas: a) la delimitación de sus
opciones estilísticas; b) el análisis de la evolución de su filmografía; c) la
elaboración de unas conclusiones provisionales.
Aki Kaurismäki's work is highly appreciated nowadays. It leaves no
one indifferent, neither with respect to its style nor to its contents, which
are exhibited with an unmistakable seal of its own. It is advisable to analyze
both aspects together, looking for a category that encompasses them. Thus,
in this contribution we argue that the author develops, analogously to what
happens in the case of classic Hollywood directors such as Frank Capra,
Leo McCarey, John Ford, Frank Borzage, Mitchell Leisen, or Gregory La
Cava what in other writings we qualify as filmic personalism. In their case,
we propose to characterize them as "the filmic personalism of the loser
(loser) who expresses her dignity with love and friendship." We justify this
characterization in three stages: a) the delimitation of her stylistic choices;
b) the analysis of the evolution of her filmography; c) the elaboration of
some tentative conclusions
AYLLU-SIAF: Revista De La Sociedad Iberoamericana De Antropología Filosófica (SIAF))
No full textPáginas 67-85A través de un análisis semiológico de la actividad creativa del demiurgo platónico se busca mostrar hasta qué punto la concepción platónica del ente como apariencia sensible de la idea ha sido condición de posibilidad para la concepción metafísica del mundo sensible. Se identifica primero el paradigma sobre el cual trabaja el demiurgo como arquetipo, luego su poder creativo como producción de sentido y su necesaria intervención en el mundo (al que se identifica con la concepción platónica del espacio) como única forma de participación del ente en la idea. Finalmente, en un tono un tanto irónico, se subraya el carácter engañoso y falso de la actividad creativa del demiurgo como interpres o mediador en el commercium entre forma y materia: artífice de engaños
AYLLU-SIAF: Revista De La Sociedad Iberoamericana De Antropología Filosófica (SIAF)
No full textPáginas 17-43El presente artículo pretende exponer el vuelco dialéctico e histórico de una serie de obras de arte, cuya fuerza expresiva es contemplada e interpretada desde la caja de herramientas de Walter Benjamin. Drap Art Catalunya configura no sólo una iniciativa de arte sostenible sino una constelación ética y cognoscitiva de la alteridad, donde la experiencia de pensar y sentir confluye en el lenguaje y en la acción artística
