Publikationer från Kungl. Musikhögskolan
Not a member yet
2353 research outputs found
Sort by
Ett sekel av sång : Ett arbete om Radiokörens betydelse för svenskt och internationellt musikliv då och nu.
No full textDetta arbete har bestått i att ta reda på varför Sveriges Radio valde att starta en egen kör, Radiokören, samt att undersöka hur kören överlevt ett helt sekel och vad den betytt för både svenskt och internationellt musikliv under dessa år. Fyra intervjuer har genomförts med personer som på olika sätt jobbar med Radiokören och/eller på Sveriges Radio. Utöver intervjuerna har information samlats in via Sveriges Radios hemsida och deras dokumentärer om sina verksamheter. Resultatet av detta arbete har gett en större förståelse för hur musik kan hålla sig levande och relevant över längre tid mellan både generationsskiften och markanta samhällsutvecklingar samt vilken betydelse det har för andra människor både i musikbranschen och utanför. I arbetet presenteras även egna reflektioner kring vad Radiokören betytt för mig som dirigeringsstudent och vad som enligt mig är viktigt inför körens framtida överlevnad. MEDVERKANDE EXAMENSKONSERTStorkyrkans KammarkörThea Svensson, dirigentHelene Stureborg, dirigent MUSIK FRAMFÖRD VID KONSERTENAgneta Sköld Där blåklinten slog en bro*Agneta Sköld I denna ljuva sommartidEmil Castegren BlomstertidEmil Råberg Dona VerisHugo Alfvén Roslagsvår, Vårsång "Maj", Aftonen, DalvisaJohannes Brahms Unsere Väter hofften auf dich ur Fest- und Gedenksprüche*Nils-Petter Ankarblom SilvertungaSven-Eric Johanson Snabbt jagar stormen våra år*Toivo Kuula Auringon Noustessa*Wilhelm Stenhammar Vårnatt* *dirigerades av Thea Svensson INSPELNINGAR FRÅN KONSERTENExamenskonsert 1/6-25 Del 1Examenskonsert 1/6-25 Del 2</p
The ball is round and music can happen! : The role of a music producer within the modern world of football.
No full textI detta självständiga arbete undersöks musikproducentens roll inom den moderna fotbollens värld, med särskilt fokus på hur ljud och musik kan förstärka matchdagsupplevelsen och bidra till en starkare varumärkesidentitet för en fotbollsförening. Projektets syfte är att utforska en möjlig framtida roll som musikproducent inom och kring fotbollens värld. Genom ett samarbete med Djurgårdens IF Fotbollsförening har en Sound Branding utvecklats, bestående av ljudlogotyp, matchdagsmusik och musik för digitala plattformar. Arbetet bygger på fältinspelningar från platser med stark koppling till föreningen samt ljud från Stockholms stadsmiljö. Med stöd i teorier om musikens emotionella påverkan och estetisk bedömning, samt genom behovsanalyser och dialog med föreningens representanter, har musikaliska verk skapats för att möta specifika behov. Resultatet visar att en genomtänkt ljudidentitet kan bidra till ökad samhörighet, tydligare kommunikation och ett mer professionellt intryck.This project explores the role of the music producer within the modern world of football, with a particular focus on how sound and music can enhance the matchday experience and contribute to a stronger brand identity for a football club. The purpose of the project is to investigate a potential future role for the music producer in and around the world of football. In collaboration with Djurgårdens IF Fotbollsförening, a Sound Branding has been developed, including a sonic logo, matchday music, and compositions for digital platforms. The work is based on field recordings from locations closely connected to the club, as well as urban soundscapes from Stockholm. Grounded in theories of musical emotion and aesthetic judgment, and through needs analyses and dialogue with club representatives, musical works were created to meet specific needs. The results show that a well-crafted sonic identity can foster a stronger sense of community, clearer communication, and a more professional impression
Mikroljud för makroeffekt : Att skapa gemensamt språk och identitet i digitala ljudlandskap
No full textHow can sound be described with the same clarity as colors, shapes, and emotions? This study explores the possibility of developing a shared language to describe short sound cues in digital user environments, called UX sounds. Drawing from practical experience at a professional sound design studio, a model based on archetypes such as caring, dynamic, and confident was developed to enable more structured communication about sound design. The model’s usability was tested through a survey where participants listened to self-produced short sounds without visual context and indicated the expressions they perceived. Results showed that some sounds were interpreted more consistently than others while subtle qualities like timbre, attack, and pitch had a greater impact on perception than expected. The study highlights how sound design can evolve into a more systematic and meaningful tool within both artistic and commercial contexts. It also emphasizes the important role of the music producer in creating sounds that not only function technically but also communicate feeling, function, and identity intuitively to the user.Hur kan vi tala om ljud med samma tydlighet som vi gör om färger, former och känslor? I denna studie undersöks möjligheten att utveckla ett gemensamt språk för att beskriva korta ljudsignaler i digitala användarmiljöer, så kallade UX-ljud. Genom erfarenheter från egen praktik vid en professionell ljuddesignstudio utforskas en modell baserad på arketyper – känslomässigt igenkännbara uttryck såsom omtänksam, dynamisk och självsäker – för att skapa en mer strukturerad kommunikation kring ljuddesign. För att testa modellens användbarhet genomfördes en enkätundersökning där deltagarna fick lyssna på egenproducerade korta ljud utan visuell kontext och ange vilket uttryck de uppfattade. Resultaten visar att vissa ljud tolkades mer enhetligt än andra, men att subtila egenskaper såsom klangfärg, attack och tonhöjd hade större påverkan på tolkningen än förväntat. Studien belyser hur ljuddesign kan utvecklas till ett mer systematiskt och meningsfullt verktyg inom både konstnärliga och kommersiella sammanhang relevanta för musikproduktion. Studiens resultat tydliggör även musikproducentens roll i att skapa ljud som inte bara fungerar tekniskt, utan som framför allt intuitivt kommunicerar känsla, funktion och identitet för användaren.
Ashes to Ashes: Decomposition as a composition method : An Exploration of Different Approaches to Sonification as a Compositional Tool
No full textThis project explores sonification as a compositional tool through two contrasting versions of the piece Ashes to Ashes and the piece Dust to Dust, centered on the theme of death and bodily decomposition. The first version employs an abstract, interpretative approach to sonification, translating schematic information about decomposition into artistic choices. The second version uses algorithmic composition driven by datasets, where data modulates both the sound material and its spatialization. The comparison reveals key differences in compositional approaches. The project also highlights that strict adherence to data does not necessarily produce results that are immediately perceptible or intuitive to the listener. The third piece is the result of implementing the knowldege aquired from the first two experiments in a less strict way. Datum inte bestämt </p
To sing together as one or multiple voices? : A comparative qualitative study of timbre ideals, blend, and intonation in vocal ensembles within jazz and folk singing
No full textDetta arbete syftar till att jämföra hur sångpedagoger inom jazz- och folksångensemble använder sig av didaktiska metoder relaterade till samklang och intonation. Studien avser även att belysa genretypiska drag för respektive genre och metoder för att uppnå dessa. För att besvara studiens forskningsfrågor genomfördes kvalitativa intervjuer med fyra informanter, två per genreinriktning, med stor erfarenhet av och expertis inom jazz- och folksångensemble. Insamlad empiri har analyserats utifrån Lave och Wengers (1991) teoretiska modell Community of Practice, som baseras på situerat lärande utifrån ett sociokulturellt perspektiv. Resultatet visar på likheter såväl som skillnader mellan respektive genre inom deras praktikgemenskap. Inledningsvis presenteras genretypiska drag samt verktyg som främjar ensemblens förmåga att sjunga genreenligt. Begreppet samklang diskuteras, dess innebörd och i vilken utsträckning det anses eftersträvansvärt inom respektive vokalensemble, samt om intonationen sker utifrån en linjär stämföring (folksång) eller harmonisk stämföring (jazz). Därefter beskrivs didaktiska metoder som kan användas för att uppnå en viss form av samklang, intonation och ett specifikt genreideal. Här nämns exempel på artefakter, som pianot och dess användning i intonationsarbetet, samt verktyg, exempelvis att justera vokalfärgen med syfte att förbättra ensemblens intonation. Vidare visar resultatet på hur ömsesidigt ansvar, en god gruppdynamik och andra relationella faktorer kan påverka ensemblens gemensamma klang och intonation. Detta ligger överlag i linje med tidigare forskning och litteratur som presenterats i studiens bakgrund. I framtida forskning vore det intressant att analysera likheter och skillnader inom samklang och intonation mellan en vokal- och instrumentalensemble.The aim of this study is to compare how singing teachers in jazz and folk singing ensembles use didactic methods related to blend and intonation. The study also seeks to illustrate genre ideals and the methods used to achieve them. To answer the research questions, qualitative interviews were conducted with four informants, two from each genre, with extensive experience and expertise in jazz and folk singing ensembles. The collected empirical data has been analysed using Lave and Wengers (1991) theoretical model Community of Practice, which is based on situated learning from a sociocultural perspective. The results reveal similarities as well as differences between the genres within their respective communities of practice. Initially, genre-typical features and tools that promote the ensemble’s ability to sing in accordance with the genre are presented. The concept of blend is discussed, its meaning and the extent to which it is considered desirable within each vocal ensemble, as well as whether intonation is approached through linear voice leading (folk singing) or harmonic voice leading (jazz). This is followed by a description of the didactic methods that can be used to achieve a particular type of blend, intonation, and genre-specific ideal. Examples of artifacts such as the piano and its role in intonation work are mentioned, along with techniques such as adjusting vowels to improve the ensemble’s intonation. Furthermore, the study shows how mutual accountability, positive group dynamics, and other relational factors can influence the ensemble’s collective timbre and intonation. This generally aligns with research and literature presented in the study’s background. Future research could analyse similarities and differences in blend and intonation between vocal and instrumental ensembles
I mellanrummen : En didaktisk undersökning av övergångar under musiklektioner
No full textI den här studien undersöks och beskrivs hur olika faktorer påverkar elevers möjlighet att följa med i undervisningen vid övergångar mellan olika moment under en musiklektion. Att byta aktivitet under en lektion kan innebära utmaningar för alla elevers fokus, motivation och delaktighet. Särskilt problematiskt kan det vara för elever med neuropsykiatriska funktionsnedsättningar (NPF). Studiens teoretiska utgångspunkter är den didaktiska triangeln samt tydliggörande pedagogik. Empirin bestod av sex observationer av musiklektioner i halvklass. Sammantaget tyder studiens resultat på att tydlighet, struktur och relationell kompetens behöver samspela för att eleverna ska kunna följa med i undervisningen fullt ut. Resultaten bekräftar tidigare forskning, men bidrar även med ny kunskap inom specifikt musikundervisning
Video Game Music On Stage : The Power of Storytelling in Music
No full text My earliest memories of listening to something and recognizing it as music are from the first video games I played in my childhood. The sheer fascination and excitement of the music I could not understand at the time might have been my driving force to become a musician today. And now when I understand how music is written, produced, recorded and performed I began to wonder – why is it that I have never heard the music from my childhood performed live? Is it not meant for the stage? Is there a demand for it? Is it even possible to do live video game music concerts? With these questions in tow, I began a journey of exploration and research. I had to deconstruct video game to its simplest elements to understand what role music plays in the game. Is it just for background or is it perhaps part of the storytelling? By examining music by Kai Rosenkranz, Russell Shaw, Matt Uelmen and others I delve into some of my favorite games and see how this music is used and how it could be performed live. Exam concert repertoire included my own arrangements from the following video games: Legend of Zelda (Koji Kondo)Gothic Trilogy (Kai Rosenkranz)Diablo II (Matt Uelmen)World of Warcraft (Jason Hayes)Fable (Russell Shaw)NieR Automata (Keiichi Okabe)Performing musicians: Solo/Bass Trombone - Mārtiņš Knets. Conductor - Sitali Dewan. Brass: Trumpets - Ingibjörg Ragnheiður Linnet, Martin Björkvall, Ludwig Frydén Kristensson, Gerda Rydberg. Trombones - Espen Hesthammer, Ville Weréen, Wiktor Wojsyk, Håkan Björkman. French Horn - Dickson Lam. Tuba - Alexandra Iderfors. Winds: Flute - Dante Fritzell. Oboe - Lisa Herlitz. Clarinet - Luca Scappagnini. Bassoon - Elina Wiberg. Strings: Violins - Klara Kirchner, Amanda Rūta Vieško. Viola - Estrid Gustavsson. Cello - Alicia Rehbach Westin. Double Bass - Andreas Grönberg. Percussion: Micaela Belussi, Simon Sahlén. Piano: Sophia Wieser </p
Föreställningen : En undersökning av Mary Overlies Six Viewpoints som metod i arbetet med rollen Ann i kammaoperan Föreställningen av Sven-David Sandström
No full textAbstract In 2012, I commissioned, produced and performed, together with my colleagues opera singers Jeanette Köhn and Miriam Treichl, the chamber opera Föreställningen (“The Performance”) by composer Sven-David Sandström, with a libretto by Katarina Frostenson based on her play Sal P from Två skådespel (1996). The opera premiered at the Royal Opera’s Rotunda in August 2016. (For cast and collaborators, see Appendix 2.) It should be emphasized that the creation of Föreställningen was a highly close collaboration between the three of us (Jeanette Köhn, Miriam Treichl, and myself) as well as director Ellen Lamm and conductor Mattias Böhm, but this thesis reflects only my personal observations and analysis during the process. As this was an extensive project carried out over the course of roughly four years, involving numerous artistic processes of various kinds, I have chosen in this artistic thesis to limit myself to a retrospective analysis of how the movement-based staging method Six Viewpoints, developed by the postmodern American choreographer and dancer Mary Overlie, proved useful to me as a singer and performer in portraying the role of Ann. The three characters Ann, Zora, and Henrika are all patients of the psychiatrist Jean-Martin Charcot in the women’s ward at the Hôpital de la Salpêtrière in Paris in the late 19th century, where one of the most common diagnoses was “hysteria.” In the opera, we follow the women as they wait to be displayed before an audience in the large St. Agnès Hall as part of their treatment. The spectators, comprising the medical experts and cultural elite of the time, were fascinated by “Les grandes hystériques” and their uninhibited, uncontrolled expressions of emotion.A particular challenge in portraying the role was the combination of depicting mental illness, sometimes also with an absence of logical verbal language, in Frostenson’s elevated poetic text, and doing so within a sung art form such as opera, without compromising clear communication with the audience. In this context, the physical or embodied expression enabled by the Six Viewpoints method became crucial. The method also contributed to a more grounded stage presence, collaborative creation, and a more rooted vocal technique. Keywords: Six Viewpoints, Mary Overlie, Föreställningen, Opera, Chamber Opera, Sven-David Sandström, Katarina Frostenson, Jean-Martin Charcot. Sammanfattning 2012 beställde, producerade och framförde jag, tillsammans med operasångerskorna Jeanette Köhn och Miriam Treichl, kammaroperan Föreställningen av tonsättaren Sven-David Sandström med libretto av Katarina Frostenson utifrån hennes pjäs Sal P ur Två skådespel (1996). Operan fick sin urpremiär vid Kungliga Operans Rotunda i augusti 2016. (För medverkande v.g. se bilaga 2.) Det ska understrykas att skapandet av Föreställningen var ett mycket tätt samarbete mellan oss alla tre (Jeanette Köhn, Miriam Treichl och mig) samt regissör Ellen Lamm och dirigent Mattias Böhm men att denna uppsats endast vittnar om mina personliga iakttagelser och analyser under processen. Då detta i sin helhet var ett mycket omfattande arbete under cirka fyra års tid med en mängd konstnärliga processer av olika art väljer jag att i detta konstnärliga examensarbete begränsa mig till att, i efterhand, analysera hur användandet av den rörelsebaserade regimetoden Six Viewpoints av den postmodernistiska amerikanska koreografen och dansaren Mary Overlie var användbar för mig som sångerska och artist i skildringen av rollen som Ann. De tre rollkaraktärerna Ann, Zora och Henrika är alla patienter hos psykiatrikern Jean Martin Charcot vid avdelningen för kvinnor vid sjukhuset Hôpitale de la Salpêtrière i Paris i slutet av 1800-talet där en av de vanligaste diagnoserna var ”hysteri”. I operan följer vi kvinnorna medan de väntar på att, som del av behandlingen, visas upp inför publik i den stora Sanct Agnèssalen där åskådarna vilka bestod av dåtidens läkarexpertis och kulturelit lät sig fascineras av Les grandes hystériques och deras utlevande och okontrollerade känslor. En särskild utmaning i skildrandet av rollen var just kombinationen av att gestalta psykisk sjukdom, ibland även med avsaknad av ett logiskt verbalt språk, i Frostensons upphöjda poetiska text, dessutom i en sjungen konstform som opera utan att göra avkall på en god kommunikation med publiken. Här blev det rent fysiska eller kroppsliga uttrycket vilket ”Six Viewpoints” gav oss nycklar till, av största vikt samtidigt som metoden även bidrog till en mer förankrad scenisk närvaro, kollektivt skapande likväl som mer grundad vokalteknik. Nyckelord: Six Viewpoints, Mary Overlie, Föreställningen, Opera, Kammaropera, Sven-David Sandström, Katarina Frostenson, Jean-Martin Charcot.Videoexempel från Inspelning av Kammaroperan FöreställningenUrpremiär 2016.08.28, Kungliga Operans RotundaUpphovspersoner:Kompositör: Sven-David SandströmLibrettist: Katarina Frostenson Konstnärligt team:Tre Donne (Katija dragojevic, Jeanette köhn, Miriam Treichl) Initiativ, idé, produktionRegi: Ellen LammDirigent: Mattias BöhmScenografi & Ljusdesign: Tomas FranckKostym: Stina HedinMask: Sofia Ranow MedverkandeAnn, mezzosopran: Katija DragojevicHenrika, mezzosopran: Miriam TreichlZora, sopran: Jeanette KöhnPiano: Love DerwingerInstrumentalensemble ur Kungliga HovkapelletViolin: June Gustafson LyngViolin: Leila ForsténViola: Karin AhnlundCello: Tamara BohlinKlarinett: Per BillmanSlagverk: Olle Pettersson</p
Prokofievs toccata: med en hand : En skriftlig reflektion om hur en handskada påverkar en pianists instudering av Sergei Prokofievs Toccata i d-moll, Op. 11
No full textSergei Prokofievs Toccata i d-moll (op. 11) är ett virtuost stycke för solopiano som skrevs under en turbulent och upprorisk tid i tonsättarens liv. Studien om handlar till stor del om hur en pianists handledsskada påverkar instuderingen och övningen av verket, och hur pianisten kan anpassa sitt spel- och övningssätt efter detta. Studien resulterade i en ökad förståelse för hur visualisering och mental träning kan användas som verktyg om en skada omöjliggör fysisk övning under en tid. Det ledde också till en ökad närvaro och medvetenhet vid övningen under rehabiliteringstiden, framför allt när det gällde avslappning i hand och handled och övning med fokus på sensoriska upplevelser snarare än visuella.Examenskonsert Emma Wrangsjö Medverkande:Alkinoos Mavromichalis, celloElsa Petterson, violinProgram: Toccata i d-moll op. 11 Sergei ProkofievTrio i E-dur K. 542Wolfgang Amadeus Mozart1. Allegro2. Andante grazioso 3. Allegro Prelude for the left hand op. 9 no. 1Alexander ScriabinBarcarolle i Fiss-dur op. 60 Frédéric Chopin Etyd i C-moll op 10 no 12 ”Revolutions-etyden” Frédéric Chopin</p