Tokyo University of Arts Repository / 東京藝術大学リポジトリ

東京藝術大学博士 (美術)令和2年

西, 毅徳

ニシ, タカトク

    
 
氏名 西 毅徳 
ヨミガナ ニシ タカトク 
学位の種類 博士（美術） 
学位記番号 博美第671号 
学位授与年月日 令和3年3月25日 
学位論文等題目 〈論文〉 光が織りなす現象と空気感－Phenomena of Light and Atmosphere－ 
 〈作品〉 Ripple 
 〈演奏〉  
   
論文等審査委員   
（主査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 鈴木 太朗 
（論文第１副査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 藤崎 圭一郎 
（作品第１副査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 橋本 和幸 
（副査）  ライティン
グデザイナ
ー 
（） 内原 智史 
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
 
 
（論文内容の要旨） 
 
私が行なっている表現は“光の空間”の創造である。私の考える“光の空間”とは、“空気感”、“光学
現象”、そして“見立て”という３つの要素から成り立っている。“空気感”とは、スイスの建築家である
Peter Zumthor（ピーター・ズントー ）が、人の心に触れる建築を創造するために必要だと考える彼の建
築理念の一つにある概念である。私はズントーの提唱する“空気感”とは、人間が建築空間を体験するこ
とで、過去の記憶を思い起こす起爆剤になるものだと定義し、自身の創造の源としている自然の光景を、
空間体験から想起させる要素と見出した。 
 想起させる光景は、第２の要素である“光学現象”に繋がっている。私は作品空間の着想を、自然の光
景から得ている。例えば、雲の間から洩れる光の「天使の梯子」や、木々の隙間に光が見える「木漏れ日」、
月夜の海に現れる「月の道」といったものである。これらは大気の空気や水などの媒質が、太陽や月光の
反射や屈折といった性質によって、生まれる“光学現象”である。この光の性質を操ることで、私は別の
素材を扱って、自然の光景を再構成することができると考えた。 
 “空気感”の持つ建築空間と、“光学現象”による光を繋ぐのが、３つ目の“見立て”の要素である。
これは、日本庭園の手法が基になっている。例えば、白砂利を使うことで水のある光景を思い描かせてく
れる「枯山水」が正にそうである。この想像性による光景への変換が、私の作品表現にとって重要となる。
これら３つの要素によって作られた空間は、自然界では体験できないが、どこか自然の光景を想起させる、
そんな新たな光景になると確信している。 
 本論文では、第１の要素“空気感”の研究として、ズントーの設計したドイツに所在する《聖コロンバ
教会ケルン大司教美術館》と《ブラザー・クラウス野外礼拝堂》を実際に訪れ、空気感とはどのように生
み出されるのか、照度計による空間の計測、建築素材の質感、色味、太陽と風の影響と時間による空間の
変化、また温度をもとに調査を行なった。 
    
 
 第２の要素の研究では、私の作品原動力となる自然の光景を研究するために、光の国と呼ばれるオラン
ダや、地中海に浮かぶ島国であるマルタ共和国などを重点に巡り、太陽と環境の変化による光景の違いを
調査した。各国の年間日照時間・雨量・湿度・気温の違いを割り出してみると、それらの環境の違いが光
景に強く影響を及ぼしていることが判明した。ここから導かれるのが、媒質と光源の状態によって光景が
大きく変化するということであり、これが“光学現象”に繋がるのである。私は、自然の光景を形成する
“光学現象”を見つけ、光を操作することで新たな光景へと再構築できることを見出した。 
 また、第３の要素の日本庭園にある“見立て”の手法を、文献『作庭記』を引用することや、実際に庭
園や茶室を体験、関係者からの話を聞くことで、庭園の見立てには、空間全体が物語のある想像性が含ま
れていることだと理解した。 
 そして自身の過去作品である《明暗境界線》、《MIRAGE CUBE》、《SKY PATH》、《Shape of Light》、《CHOPPY 
SIGHT》の５点を振り返ることで、上記の３要素からなる光の空間の表現の可能性を探り出した。 
 
  博士審査出展作品《Ripple》では、雨の日の光景にある水の波紋を、太陽光と風の動きを使いアクリル
パイプが生じさせる光学現象によって再構築した。また、この現象を見て波紋を想起させるような空気感
を意識した建築空間を設計することで、建築空間と現象が作り出す新たな光景の知見が得られ、３つの要
素による“光の空間”が証明された。 
 
 
 
（論文審査結果の要旨） 
 
本論文は、光と空間との関係性をヨーロッパへの実地調査を基に考察した上で、著者がアーティスト／
デザイナーとして制作する空間表現について論じたものである。光と空間の関係を光学的なアプローチ
を主軸として分析し、光学現象が呼び起こす空気感や見立てなどをオランダの光景や、スイスの建築家ピ
ーター・ズントーの建築空間、さらに著者自身の作品と照らし合わせて論じる試みは挑戦的で、ここで論
じられている内容は、光学現象を使う空間表現の感性的な側面を言語化する方法論を示しており、アーテ
ィスト、デザイナー、建築家にとって有用性の高いものとなっている。 
ズントーが光と影によってつくりだす建築空間は、その代表作を巡った著者の体験を詳細に論じられ
ている。また、フィルメールの光を生み出した低地オランダの水面と空がつくりだす光景のなかの光の効
果の分析では、日々の気象データと著者が測定した光のデータを比べながら、その美しさの要因を解き明
かしている。また著者が滞在制作を行ったマルタ島での光の体験が、自身の作品へのつながることを説く。
そしてこうした分析の上で、著者は詳細に自身の作品を論じている。著者がヨーロッパ等で撮影した豊富
な写真は、光の現象の感性に訴求する部分の理解の大きな助けとなっている。 
著者は博士審査展に自然光と風を利用した巨大な光のインスタレーションを制作し、本論文で考察し
た空気感・見立て・自然の美しさの3つの要素の引き立てた独自の空間創出を見事に実現した。本論文は、
筆者の博士審査展出展作品および過去作品のコンセプトや制作過程を詳細に語ることで、今日に至るま
での道程が明確に論じたれている。この制作過程の論述の中には、著者・西毅徳のアーティスト／デザイ
ナーとしての独創性とその研究の有用性が示されており、高い評価に値するものである。よって、博士学
位に相応するものと認定する。 
 
（作品審査結果の要旨） 
 
本作品は、建築の空気感・見立て・自然の美しさの3つの要素から引き出し、独自の空間創出を自然光
と風を利用した巨大な光によって表現したインスタレーション作品である。 
作者は自然の光景を実際に体験して美しいと思う多くの場合、そこには自然光による光学現象が必ず
原因として存在して、それは光の反射や屈折といった、光の性質に依るもので、それらが大気の影響によ
    
 
って、劇的な美しい光景を作り出していると述べている。それらを表現しようとこれまで自然光、水、風
の現象をモチーフとして多くの作品を発表してきた。 
作者の転機になった作品「蜃気楼《MIRAGE CUBE》、2015年」は「建築は光の受容器となる」というある
本の言葉に感銘を受け、アクリルと水を使った作品は空間そのものが光の反射や屈折の要素を持った透
光不透視の新しい空間体験を作り出し高い評価を得た。ここから彼の空間表現のさらなる追及が始まり、
東京藝術大学大学院に入学してからは大学構内で自然光が降り注ぐひらけた場として展望デッキを作品
発表の場と定め、環境や建築を意識した東京藝術大学大学院修了作品「月の道《SKY PATH》、2018年」で
は透明三角アクリルロッドを無数につなげ面材を光の受光器として、それを通して鑑賞者に作者の考え
る美しい光景を提示した。また、海外留学の際の研究作品では光を受ける造形物により、その場の言葉に
出来ない建築の空気感を体験させる作品が出来た。 
これらの作品群から総合的に学んだことを複合的に表現した作品として本作品は位置付けられる。光
や制作を重ねてきた大学の展望デッキを作品発表の場としたことで、感覚的につかんできた環境をさら
に緻密に分析を行う（日々の気象データと著者が測定した光のデータ、建築のスケールなどの分析）こと
ができ、それらのデータをもとに展望デッキに 大限用い収まる構築物の設計を行うことができた。さら
に風を受け動く受光体の設計と模型による検証を繰り返し、レンズの選択と空間の関係で光を効果的に
床まで落とすためのサイズを検証しベストな大きさと形状を導き出した。構築物の形も奥行きを効果的
に感じさせるために天井の形が２箇所折れ曲がる形状としたことで建築の３次曲面のような面形状を生
み出し、内部空間が単調にならず、さらに壁を構成する縦に連なり立てた板材の隙間の光もあいまって自
然に人を誘導する効果となった。それにより構造的な強度も増した。床も美しく受光するために左官で薄
塗りの平滑な一つの面として表現したことは作者の執念を感じた。さらに壁の色も表と裏では着色を変
えるなど周到で作者の緻密さと高い設計力と修正力がうかがえた。しかし、この作品を見たものはそのよ
うな細かなことよりも光が風によって光が揺らめく様に感動し奥の空間へ誘われ、この空間にいつまで
もいて瞑想したいような感覚を与えてくれることが先にくる。それは多くのアーティスト、デザイナー、
建築家がいつも目指していることであるがなかなか出来ないことであり本作品が特に秀でた作品である
ことと言える。これらは作者・西毅徳のアーティスト／デザイナーとしての独創性とその研究の有用性を
示すものであり、高い評価に値するものである。よって、博士学位に相応するものと認定する。 
 
 
 
（総合審査結果の要旨） 
 
西毅徳君の研究作品「Ripple」は、総合工房棟3階展望デッキに設置された。設置というよりは場に共
生した、とでも言うべきだろうか。展望デッキのサイズ、形状、場所、光、風を見事に操り、そこでなけ
れば表現出来ない世界を、作品を通して見事に具現化することに成功した。 
論文審査会は彼の作品内でおこなわれた。当初、作品は鑑賞のみ、論文審査会は同フロアにあるデザイ
ン科プレゼンルームでおこなう予定であった。当日彼から「光と風のタイミングが良いので作品内で空気
感を味わいながらの審査会をおこないたい」との要望を受け、急遽作品内で開催。その様子はこれまで見
たことのない、作品に、また審査会に新しい空気を予感させるものであった。主査、副査、教員、来場者
の方は地べたに座り、目の前の光の現象や空間の空気を感じながら、本人からの作品解説を受けた。その
時の状況はまるで、古美術研究旅行での各所見学した時に感じた気持ちよさ、緊張感があり、彼が求めて
いた、その場所に居るから始めて体感することの出来る作品に仕上がっていたのだと思う。 
近年インターネットやテクノロジーの進化により、世界中の人々が常に場所を問わず繋がり合うこと
が出来る状況にある。買い物もインターネット上で済ませ、いろいろな体験を、インターネットを通して
あたかも実体験しているかのような錯覚に陥る。場所の必要性がうすれているようにも感じ取れるが、し
かし彼の作品を見ていると、その場所だからこそあり得る光景、映像では伝わらない光景というものがあ
り、人間にとってそれはとても贅沢でありながらも、あたりまえに必要な時間なのだと気づく。 
    
 
作品「Ripple」は、光、風の数多くの調査、光にまつわる世界各国の建築のリサーチ、海外での光の作
品制作等、実践を伴った様々な経験の上に成り立つ。それらは、博士論文「光が織りなす現象と空気感 – 
Phenomena of Light and Atmosphere -」の中に、詳細な記載がある。まさに、博士論文と研究作品がひ
とつとなり、自身の世界観を表現しているところが見事である。 
東京藝術大学の博士として、これからの彼の活躍に期待が持て、今後がとても楽しみである。 
課程博士学位の総合審査結果として、彼を博士学位に相応するものと認定する。 


Japanese

Phenomena of Light and Atmosphere

岩谷, 晃太

イワタニ, コウタ

錆と劣化の形象化 : 表層の破壊

東京藝術大学博士 (音楽)令和2年

鐵, 百合奈

テツ, ユリナ

TETSU, Yurina

演奏解釈の流行と盛衰、繰り返される「読み直し」 : １８世紀から現在に至るベートーヴェン受容の変遷を踏まえて

林, 浩美

ハヤシ, ヒロミ

    
 
氏名 林 浩美 
ヨミガナ ハヤシ ヒロミ 
学位の種類 博士（美術） 
学位記番号 博美第649号 
学位授与年月日 令和3年3月25日 
学位論文等題目 〈論文〉 痛みに沈黙する絵画－抑圧と可視化するペルソナ 
 〈作品〉 マゴット 
亡骸 
死灰また燃ゆ 
抜け殻 
小作品集・日常絵画 
 〈演奏〉  
   
論文等審査委員   
（主査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 齋藤 芽生 
（論文第１副査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 布施 英利 
（作品第１副査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 秋本 貴透 
（副査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 薄久保 香 
（副査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 杉戸 洋 
（副査） 東北生活文化大学 学長 （） 佐藤 一郎 
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
 
 
（論文内容の要旨） 
 
本論文の目的は、「語らないこと」「沈黙すること」で生まれる私の絵画表現の在り方を自身の個人史を
通して振り返るとともに、肖像画に描かれた表情の意味をあらゆる時代の作品を参考にしながら紐解い
ていくものである。私自身が 2011 年 3 月の東日本大震災で福島第一原発事故の被災者となったことは、
私が肖像画を描く際の表情に「語らないこと」をもたらした。心の痛みは言葉や表情に表さなければ、他
人には目視できないということ、そして同時に他人が同じ痛みを抱えているかもしれないという考えに
至った。また、震災直後に感じた社会的抑圧は私の作品に多大な影響を与えた。当時のメディアなどが、
極度に笑うことや悲しむことに対して自ら制限をかけたことは、目には見えない社会的抑圧であると私
は考える。震災や戦争で多くの人の命が奪われた直後は笑顔が許されない様に、社会的抑圧は個人的な範
囲でも日常的な問題として起こりうる。痛みを感じていても沈黙する態度は、その置かれた状況や自分自
身によって作られたペルソナが可視化している状態であると私は考えた。本論文は、肖像の不可視化され
た精神と可視化している表情について考察し、社会や日常生活を激動させる悲しみや怒りに無表情で抵
抗する人物像を、寓意という現実のフォルムを借りて絵画化した試みを言語化していくものである。 
第 1 章「仮面」では、私にとっての仮面が感情を抑圧する性質を持つことについて言及する。ここで
示す仮面とはペルソナに分類され、人間が社会に対して被る表情のことを指す。そして私の絵画における
ペルソナとの出会い、自身の作品における無表情を語る。また物質的な仮面の性質として感情を象徴する
ことが可能な点について考察する。私の作品は日常風景を描くが、その中には寓意となった傷や痛みがさ
りげなく隠されている。この章の 後には、日常の中に異質なものを潜ませることで不気味なものを演出
する作品について語る。 
    
 
第 2 章「無表情×寓意 台詞としての寓意」では、人物像とその感情を表す寓意的なモチーフについて
語る。私の作品では寓意のモチーフが台詞の役割を果たし、傷や痛みを代弁している。たとえ肖像が無表
情の直立不動でも画面は物語を話すことができる。 
かつて各地的に発生したヴィーナスやコレー像、または仏像が示す通り表情を作る際に 初に出現す
るのは微笑だという。そこで全ての表情を分類し、人間的な表情、微笑像（アルカイックスマイル）、無
表情に分けて作品例を挙げながら考察する。特に現代における無表情絵画は社会との対峙や社会的背景
の追求によって無表情となることについて語る。 
第 3 章「沈黙をグレーで表現する」では、絵画においての背景が作品に何をもたらすのか背景がグレ
ーの自身の作品をもとに解説する。そこで、背景とモチーフの関係において全面光と側面光の絵画に分類
して語る。絵画の背景において側面光がもたらす影響とは、そのモチーフが存在した時間や空間を描写す
ることだと私は考える。また私の作品が背景に何も描かないのは、何もない空白地帯はぴんと凪いだ海面
のように「畏怖」を感じさせる。それはまだ何も起こっていないがこれから起こるかもしれないという想
像力をもたらし、日常を描いた絵画に不気味さを演出する。 
第 4 章「痛みの表現―現代社会と抑圧―」では現代社会における見えない痛みや抑圧、絵画における
傷や痛みの表現を探る。心の傷とは相反して、目に見える傷の絵画はキリス ト教の生々しい磔刑図や日
本の九相図、地獄絵図、または藤田嗣治の戦争画などを例に挙 げる。また自傷絵画としてはフリーダ・
カーロ、石田徹也を例に挙げ、現代社会において 隠された心の痛みの表出を、作品例を挙げて結び付け
ていく。その中で、心の傷を表現す る絵画は一様に無表情であることに気づく。そして心の傷を絵画に
表現しようとするとき、むしろ表情は邪魔なのではないかと私は考えた。この観点が、私の作品が心の痛
みやトラ ウマに対して表情では「語らないこと」「沈黙すること」を選択することの裏付けとなった。私
が表現しなければならないのは、激動の体験（トラウマ）に対峙する無表情の人物像に、感情を表すモチ
ーフを描き込むことで傷を可視化することであり、見えない痛みを表出せ ざるを得ない私の葛藤を絵画
を通して描く。画家の葛藤として「表出しないもの」の在り かと使い方を認識することは大切で、その
「表出しないもの」の在りかこそが人と人とが 共感し合える一つの要素である。 
結論として、心の傷や激動の時代を生きた絵画が無表情であることは、トラウマに対峙したとき「沈黙」
し、心の傷や痛みをあえて表情や言葉にして説明しない絵画であることで、他人の表出していない感情に
共感を呼ぶことができるのではないかという考えに至った。 
 
 
 
（論文審査結果の要旨） 
 
本論文は、沈黙、ペルソナなどをキーワードに肖像画の制作に取り組む筆者が、その制作過程を通して
思考した問題をまとめたものである。 
本論文は、全４章で構成されている。 
まず第一章の「仮面」では、学部の卒業制作で描いた自画像を、レオンフレデリックの『夜のアレゴリ
ー』や、レオナルド・ダ・ヴィンチの『モナリザ』と比較考察することから始められ、その顔の描写にお
ける無感動や無表情が「ペルソナ」という視点から分析される。日本の能面の無表情（な表情）などにも
言及されながら、顔の造形性の意味が探究される。 
続く第二章の「無表情×寓意 台詞としての寓意」では、前章での問題設定を受け、表情の代わりに寓
意（Allegory）で表現することの考察が展開される。林の作品には、スズメバチや蝶が、描かれた人物の
顔の周りに描かれることがあるが、それらの寓意性について、クラナハの『ヴィーナスとクピド』などを
取り上げながら、クピドにまとわりつく蜜蜂の描写などと重ねつつ、蜂における攻撃性や痛み寓意につい
て考察が続いていく。さらに絵画に描かれた表情についての考察も展開される。 
第三章「沈黙をグレーで表現する」において、筆者の論点は一転し、それまでの、絵画における寓意や
意味などいわば文学的ともいえるアプローチから、グレーという「色彩」へと論考の焦点が移り、まさに
    
 
絵画ならでは考察が展開される。そのような色彩に加え、光の表現における前面光や側面光についても論
じられる。 
後の第四章「痛みの表現 ―現代社会と抑圧―」においては、これまでの第一章・第二章の起承転結
の「起承」、そして第三章の「転」を受けて、まさに結論としての「結」の内容で、これまでの論考がま
とめられ着地点をみせる。それは「痛みに沈黙する絵画」という筆者の論考のまとめであると同時に、筆
者の絵画制作における一つの到達とも重なる。そのようにして、筆者の絵画世界が鮮やかに言語化される
ことに成功した。 
このように、本論文は筆者の絵画制作のキャリアと、さまざまな美術作品への考察が表裏一体のものと
して提示され、また取り上げる絵画作品の作例も的確で、わかりやすく明快な論考になっており、その論
文としての成果を高く評価できる。よって本論文を東京藝術大学・大学院美術研究科の博士論文として合
格とする。 
 
 
 
（作品審査結果の要旨） 
 
薄暗い部屋の中で、カーテンの隙間から漏れる光は、たいそう美しい。その光に興味が持てなくなった
とき、気が付かないうちに心が殻にこもっていたのである。私の作品の内でここ数年気づかない間に消え
ていたことは、壁の光を描こうとしなくなったことである。それはつまり、見ることの放棄である。これ
は申請者 林浩美の博士提出論文の第３章「沈黙をグレーで表現する」の中で語られている。 
これを契機に、2019年から制作されはじめたのが、博士提出作品の一つである「日常絵画」シリーズで
ある。作品サイズは多種だが全て小品で、百合の花、柘榴、ガラスの花瓶、自身や老人の手などが18点展
示されたものであるが、それまでの絵画作品との違いが見て取れる。修士課程以降の多くの絵画は、単調
なスフマート技法のような輪郭がぼんやりとした、色彩のグレー色もくすんでいるので、どこか不安を漂
よさせていた。これは、博士提出論文でまとめられている「痛みに沈黙する絵画」に繋がる表現世界にも
思えるのだが、同時に絵画として自立する上で絵画構造や油絵具の不安定さとも言えるものであった。画
面だけを見て制作することで起きる迷いや葛藤の繰り返しの中で、画面の外に目を向けた時に日常の光
の存在を想い出した。油絵具が発明される前のテンペラ絵画の時代は、色が物質として存在していた。そ
の後、油絵具の特性である透明性を持つことによって、色が光に変わることが発生した。色が物質から光
に移り変わることは、物質がイメージに転換するとも言える。現実世界を見ることに立ち帰った時、それ
は油絵具の透明性、不透明性を使い分け、重層的な構造を成すことになり、特に絵画の特徴の一つであり、
沈黙の色として長い間こだわり続けているグレー色が明確な意思を持って主張するようになった。これ
は別の提出作品「死灰また燃ゆ」、「マゴット」、「抜け殻」、「亡骸」にも通じるもので、日常の光が油絵具
のオプティカルグレーとして「日常絵画」シリーズより良く表れ、それは「光の絵画」とも言えるものに
なった。 
この変化は、制作以上に博士論文の執筆が影響していると思う。申請者は、大変な苦労をして自らを掘
り下げ、言葉を紡ぎ出していく中で、沈黙することの意味から、沈黙することによって見えてくるもの、
沈黙することでしか語れないもの、沈黙することによって見なければいけないことが、言語化することに
よって、制作に対する姿勢や絵画の視点にも刺激を与え、相乗効果が生まれたと言える。申請者は、この
世界に存在しながら、この世界に属さないともいうべき姿勢で、この世界に距離を取って制作していたよ
うに思う。今回の博士提出作品で、この世界に存在し、この世界での存在のあり方を発見した作品になっ
たのではないか。愚直に世界を視、制作を続けていくことを期待している。 
博士提出作品は、主査、作品副査から博士学位として認められる作品として高い評価を受けた。 
 
 
 
    
 
（総合審査結果の要旨） 
 
提出作品《亡骸》、《マゴット》では、何かをじっと耐える表情の女性とともに、その体を糧に育つ蝿の
群れが描かれる。実は悲しみを口にせず耐える自身のありようが踏まえられており、また大災害の犠牲と
なった動物の死骸に群がる虫とも重ね合わせられている。画面を満たす柔らかな中間色はよく吟味され
ているが、このグレーに対するこだわりさえも、「無表情の仮面」を言い表すための工夫だという 
《日常絵画》に描かれるような果物や魚の静物、カーディガンを着た髪の長い女性モデルなど林浩美が
よく選ぶモチーフは一見すると、多くの具象画家が好む保守的とも言える世界観のうちに留まっている
ように見える。しかし細部を凝視するとき見えてくるのは、人物の体に群がる蝿や蜂、肌を傷つける蕁麻
（いらくさ）の首飾りやナイフなど、攻撃性を秘めた寓意である。それに気づくと、穏やかに描かれてい
ると見えたモデルの顔の無表情さが逆に気になり、平穏無事に見えたかのようなグレーの空間も、急に張
り詰めた葛藤の場に見えてくるのだ。《死灰また燃ゆ》のように率直に見える作品でさえ単なる静物画で
はなく、題を見て初めて何らかの激情が秘められていることがわかる。 
論文は、絵画史に登場した様々な仮面、寓意を表すモチーフ、無表情的人物像などが効果的に例解され
つつ、それと比べながら自身の作品のこれまでの流れを自然に紹介している。本人が今まで自己発露でき
ずにいた複雑な心情の綾を全て吐き出すかのような切々とした誠実な文体は、説得力のあるものだ。《痛
みに沈黙する絵画》とは、あえて「沈黙」を選ぶことで他者の傷に寄り添うということなのだ。2011年、
福島の実家に居た林は東日本大震災に遭った。それに連なる原発事故により彼女の家族は、我が家を置き
去り故郷から離れざるを得ない状況になった。着の身着のままのようにして避難したのち一時帰宅した
時に見た、死んだ愛猫の姿、荒れ果てた家の姿は、林の心に筆舌に尽くしがたい痛みと影を遺した。しか
しその体験の傷に自分自身「沈黙」するしかなかった時間の内省が、本論文のテーマそのものになった。 
林はもともと自身の物静かな性質に対して、思い悩むところがあったようだ。表出し得ない激情と平穏
な態度の間で「中間的な表情の微笑」を作り続ける自身に対して、自己批判的な眼を持っていた。彼女は
それをペルソナ(仮面)という心理学用語で表し、絵のなかで自己言及的に、解釈不能なほどの曖昧な微笑
や無表情を装った感情を表現してきた。実際の彼女と接すると、彼女が も感情の襞を表出している場所
が絵画の中にしかないであろうことは、容易に想像できる。そのような内なる心理の蠢き、痛みを秘めた
静かな表現力を孤独のなかで磨いてきたこと、震災によって喪失と痛みを見つめ直した経験が、 近の彼
女の絵画世界の説得力に結びついている。 
「傷ついた時に明るい歌を聞くと悲しくなる」という本音を同じように持つ、どこかの繊細な他者の心
情に染み入る表現をしてゆくという決意が論文の 後に示される。 
作品・論文ともに、作者自身を振り返る深い内省的な取り組みとして、高く評価された。 


痛みに沈黙する絵画 : 抑圧と可視化するペルソナ [要旨]

大小田, 万侑子

オオコダ, マユコ

    
 
氏名 大小田 万侑子 
ヨミガナ オオコダ マユコ 
学位の種類 博士（美術） 
学位記番号 博美第670号 
学位授与年月日 令和3年3月25日 
学位論文等題目 〈論文〉 物語性と藍の型染による生命感の表現について 
 〈作品〉 はじまりのうた 
 〈演奏〉  
   
論文等審査委員   
（主査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 上原 利丸 
（論文第１副査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 青栁 路子 
（作品第１副査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 橋本 圭也 
（副査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 藤原 信幸 
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
 
 
（論文内容の要旨） 
 
筆者は型染と藍抜染の技法による制作を行ってきた。型染は日本の伝統的な染色技法であり、その模様
は型紙を刃物が彫り抜いたことによる鋭利で繊細な線の特徴を持つ。藍抜染は19世紀に開発された近代
的な技法である。藍染した布に抜染剤を塗布し乾燥させ水で洗うと、抜染剤を置いた箇所の藍が白く抜け
ることで模様が染められる。以下より型染の呼称を型紙と糊の使用を前提とし、藍抜染を利用した型染を
「藍の型染」と呼ぶ。 
これまで藍の型染を用いて自作品において表現しようとしてきたのは、人や動植物、自然現象、架空の
生きもの等の生命感である。この生命感は、筆者の芸術表現の根幹にある物語性による躍動感のある線が、
藍の型染の模様として染色されることで生まれる。「物語性」とは、古くから語られてきた神話や昔話、
伝説等、幼年期より触れてきたお話の世界が根底にあり、多くは絵本体験で培われた感性である。 
藍の型染による制作のきっかけは偶然的であったが、現在も追求し続けている。生命感の表現を目指す
にあたり、なぜ藍抜染に拘り絵画的な描写を型染で染めるのか改めて捉え直すことが、今後の作品制作の
深層と広がりの追求に必要である。 
本論文では、「物語性」と「藍の型染」に焦点を当て、筆者がこれまで行ってきた制作の実践を踏まえ
てその特性を考察し、自身の目指す生命感の表現について明らかにすることを研究目的とした。 
第 1 章では、創作の根源である物語性について述べた。筆者の藍の型染作品は、幼年期の絵本体験が
きっかけとなり展開している。沢山の絵本により影響を受けた幼年期の《お絵描き》の描写と、子ども時
代の「絵を描くこと」について振り返り、現在の自作品に至る創作の原点を確認した。その上で学童期に
読んだ漫画から関心を持った『古事記』を始め、様々な神話や伝承の物語が、筆者のまなざしを通して自
作品の上で構成され、創造の物語として表現されることを明らかにした。自作品の模様は白抜きであり模
様の箇所ほぼ全てに陰影が付かないことから、その表現に細かな線を多用する。このことから、「デフォ
ルメ」や「集合と緩急」を伴った線が筆者の物語性を通して躍動感を持ち、藍の型染を経て生命感のある
模様が形づくられるとした。そして、他作品に感じる躍動感のある線について自作品と比較しながら考察
    
 
を述べた。 
第 2 章では、藍の型染から生まれる線の表現について論じた。型染の制作工程の中で筆者が特に重点
を置く型彫に着目し、下絵・型彫・染色における筆者の制作経験を基にその考察を述べた。続いて、藍の
型染の追求に至った経緯から技法の特性を再考し、防染と抜染の模様の比較を行うことで、技法選択の意
義を述べた。これにより、生命感のある模様の形成には型彫と抜染に対する筆者の創造的な感覚が必要で
あるとし、他の作家の藍抜染の使用について比較・分析を行うことで、考察を深めた。次に藍染による青
色に焦点を当て、藍染料の概要から青の世界的な認識と古代日本人の色彩感覚について触れた上で、古代
日本人の持っていた「あお」の意味から藍色の色相を表す「縹」に着目し論じた。この考察より、藍の青
から「定まっていない」意味を見出し、その性質を述べた。更に古代日本人の「しろ」に着目し、自作品
上の白い模様の捉え方を藍抜染の工程と共に詳述した。これにより、藍は白という神秘的で怪異的なもの
を出現させる、青の空間としての自然的な意味を持つという論から、自作品上での青と白の関係を明らか
にした。この上で藍の型染が筆者の祈りの行為であり、生命感のある表現がその表れであることを述べた。
後に、青と白の関係に意識を向け制作した自作品について紹介し、藍の型染と生命感の関連性を詳らか
にした。 
第 3 章では、博士審査展提出作品に向けて行った、抜染糊の化学的効果を利用した実験について取り
上げた。そこで博士課程を通して行ってきた藍抜染と自作品で掲げる主題との関わりについて考察した。
第一に、生地の裏面を通って表面に色が出現する透過性を利用した実験を行い、参考作品と共に紹介した。
次に、白のバリエーションを自由に扱うため、抜染糊の材料と配合を変えて白抜き具合の調整を図り、提
出作品への技法的な土台を見出した。 
第 4 章では、博士審査展提出作品について述べた。生命感の表現を包括した提出作品のイメージの深
層を詳述し、第 3 章で述べた抜染糊の新たな表現のため行った実験を基に、その技法的な展開を明確に
した。次に提出作品の制作工程を図と共に解説し、考察を述べた。 
以上より、物語性と藍の型染による生命感の表現は、筆者の自然への憧憬や神仏への畏敬の念の表れで、
その制作行為を祈りの形とした。祈りとは、自然に生かされていることへの感謝であり、作品制作はその
感謝と同時に、いのちの歓びを真に受けることのできる行為である。 後に今後の展望を述べ、本論文の
まとめとした。 
 
 
 
（論文審査結果の要旨） 
 
本論文は、型染と藍抜染の技法を用いて、『古事記』に登場する神々や伝承の物語などをモチーフとし
た独自の世界を表現してきた申請者が、制作における主題として追究してきた生命感の表現とは何かを
明らかにしようとしたものである。その研究は、用いる染色技法の特徴やその工程に基づいて、自らの制
作を詳細にとらえ論じたものだが、他の染色技法や他の染色家による表現との比較検討はもちろん、美術
における他の表現技法や作家作品にも視野を広げて検討し、考察を深めようとしていることに特色があ
る。 
本論文は、主に次の3点のオリジナリティを有するものとして高く評価される。 
第１に、申請者の作品から感じ取ることができる「物語性」は、単に作品上に表現されたた世界による
ものではなく、申請者自身が自然や生き物から得た体感を基盤に、モチーフを生き生きとした、かたちあ
るものとして生み出していくプロセスに根ざすものであること、なおかつ、それを幼少期の制作体験から
掘り起こして自らの創作の根源として示したことである。 
第２に、型染によって生命感を表現するには、型彫りで生まれる線が重要であるとした上で、その表現
のために必要とされる線の性質について分析し考察したことである。これは、作品のほぼすべてに陰影が
つかない表現技法を用いる申請者にとって、どのように線で表現するか、その線によって 終的に藍色と
白色からなる染色作品として表現するかを力強く論じるものにもなった。 
    
 
第３に、素材の布が藍に染まり、抜染によって白色が生まれるという藍抜染の工程における色の変化に
注目して、日本の色彩の成立に基づきながらそれぞれの色について考察し、特に抜染で藍色から白色が生
まれる変化は、古代日本の色彩の意味によれば、生命あるものが出現する過程ととらえることができると
論じたことである。 
これらに加えて行われた、藍抜染で用いる抜染糊の技法材料についての実験研究は、用いてきた技法や
材料による限界を超え、生命感の表現をさらに展開させようとするものとして評価できる。こうした総合
的な研究によって、申請者が目指す生命感の表現についての結論を導き出し、研究の成果は博士提出作品
に結実した。 
以上のオリジナリティと研究の成果が示された本論文は、課程博士論文の水準に十分に達していると
審査委員会全員一致で判定した。 
 
（作品審査結果の要旨） 
 
型染の技法は、鎌倉時代末頃に完成した染色方法で、基本的には自由な形に彫られた型を用い、糯米と
小紋糠を主剤とする糊を色素（染料）の浸透を防ぐ防染剤として布に置き染色後に糊を洗い流す方法と直
接に染料や顔料を刷り込むことで色を着ける方法がある。大小田万侑子氏の作品は、これらの中間的な存
在の技法であり、その特徴は先に藍で浸染した生地を前者の方法の応用により防染糊ではなく抜染糊を
用いる色を抜く表現方法で、糊を置いてから染色する方法よりも糊が染液で垂れることがないために染
色部分が斑無く仕上がる利点がある。 
 提出作品《はじまりのうた》の色相は藍染での表現を基調とした8枚組みのタペストリーで仕上げられ
ており、画面の中心に向かうにつれ濃色に変化させることで、均一な抜染による白色とのコントラストを
強めると同時に中心の幹の存在感をより一層強調させる効果が見られる大作である。全体の構成は、生命
の巨樹を中心にして周りで息づく生き物たちのそれぞれの物語を描いてあり、シーンの流れによってス
トーリーがあるわけではないが、鑑賞者のそれぞれの物語性をも掻き立てられる興味深い展開が見られ
る。ただ、作品画面の大きさにも関係するが、白の密度差による色の幅が乏しく見えてしまう点が惜しい。
作品中のモチーフは、躍動感・デフォルメ・集合・緩急が随所に見られ、特に大小田氏が描くオリジナル
のモチーフは、可愛らしさと不気味さが両立するような不思議な雰囲気があり味わい深い。 
 「藍染の色彩・型彫りによる線・物語性・テーマ性・使用しているモチーフ」について全て生き物や生
命感というキーワードで繋がり統一感があり、論文の内容との整合性も認められる。 
 論文第3章にある研究において表現の独自性に繋がる内容が、生地の表裏両面からの抜染や抜染糊の材
料や配合調整であるが、本作品には表現として見られない。これから研究を続け効果的に表現に結びつけ
られるような取り組みに期待する。 
   以上の内容から、審査委員会全員一致で博士作品の水準に十分達していると判定した。 
 
 
 
（総合審査結果の要旨） 
 
大小田万侑子氏の制作研究の根源には、幼少期の母親からの絵本の読み聞かせがある。それは、本人に
とって心身に染み込んだ情念的要素を含んだ創作につながる宝物である。絵本の物語は個人の人為的な
ものであるが、それぞれに歴史や自然、そして生物など様々な背景を持っている。母親が子供に物語を音
韻豊かに読み聞かせる時、ストーリーから得られる客観的な情景のみならず、身体にも五感を通して高揚
感を伴って入り込んでくる。特に母親の研究対象であった日本古代の書「古事記」から受けた影響は見逃
せない。それは氏が作品において表現しようとしてきた人や動植物、自然現象、架空の生き物等の生命感
にも深く関与している。 
 幼少期における読み聞かせを通した「お絵描き」、成長期からの漫画による「創作による物語絵」の変
    
 
化の中で一貫して培われてきたものは、作品を構想し創作する上で物語における時間軸「はじめとおわり」
を重視することである。一場面の表現ではなく様々な自然、生き物等の構成要素が大画面の中で「物語性」
を有していることである。 
 一方で藍抜染は19世紀に開発された比較的新しい染色技法である。糊防染による型紙を使用し、藍抜染
を利用した「藍の型染」と「物語性」による生命感ある表現はどのようにして可能なのか。型紙を切る（彫
る）行為から生まれる線は、氏の制作にとって も重要な要素である。「デフォルメ」、「集合と緩急」を
伴った線は、模様となった時に躍動感や生命感を表現できるのか。型紙を切る行為は直接的であるが、糊
を置くことで間接的な表現に変換される。モチーフの形状を下絵の段階で精査するのではなく、本人のイ
メージに任せて切ることで解決を試みている。手法としては木版の棟方志功の制作との共通性を感じる。
装飾的ではあるが躍動感や生命感を伴った表現の例として、先行考証の中で述べている東洋、西洋におけ
る更紗、ビアズリー等の線の特徴など、一つの解決方法として納得できるものである。 
 藍色の色相を表す「縹」の青の「定まっていない」意味合いと古代日本人の「しろ」に対する色彩感覚
の考察から藍は白という神秘的で怪異的なものを出現させることを提示し、「藍の型染」によって生命感
ある表現が可能であることが述べられている。藍抜染による内外の作家の表現と技法を検証することで、
その相違と「藍の型染」における独自性を示し、さらに技法の新規性と作品の表現を高める為「藍抜染の
透過性」実験を重ねている。現段階では博士展の作品に導入するまでには至っていないが、今後さらに研
究を深化させ論文化することで普遍性を有し、社会に還元できる内容となることを期待する。 
 博士展提出作品「はじまりのうた」は藍抜染の糊の実験が生かされていないが、大画面の中に氏の自然
への憧憬や神仏への畏敬の念を表現したもので独自の「物語性」と「藍の型染」による生命感が感じられ
る秀作となっている。 
 以上のことから審査委員会全員一致で「博士（美術）」の学位の水準に十分に達している博士論文と作
品であると判定した。 


物語性と藍の型染による生命感の表現について [要旨]

痛みに沈黙する絵画 : 抑圧と可視化するペルソナ

椎野, 倫奈

シイノ, リナ

囲いの森 : 有機の形と色

東京藝術大学博士 (音楽)令和3年

松原, みなみ

マツバラ, ミナミ

MATSUBARA, Minami

    
 
 
氏名 松原 みなみ 
ヨミガナ マツバラ ミナミ 
学位の種類 博士（音楽） 
学位記番号 博音第356号 
学位授与年月日 令和3年9月30日 
学位論文等題目 〈論文〉 シャルル・グノー作曲 歌劇《ファウスト》における迫真性のあるマ
ルガレーテの演唱表現 
 〈演奏〉 C.グノー：歌劇《ファウスト》より Scene de la prison ～ Finale
他 
   
論文等審査委員   
（主査） 東京藝術大学 教授 （音楽研究科） 菅 英三子 
（副査） 東京藝術大学 教授 （音楽研究科） 佐々木 典子 
（副査） 東京藝術大学 教授 （音楽研究科） 平松 英子 
（副査） 東京藝術大学 名誉教授  檜山 哲彦 
 
 
 
（論文内容の要旨） 
 
古今東西、ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテ Johann Wolfgang von Goethe (1749年-1832
年) の戯曲『ファウスト』に創作意欲を駆り立てられて生まれた芸術作品は数多に存在するが、歌劇
作品に的を絞れば世に知られた作品はそう多くはないであろう。これはこの戯曲のもつ内容の難解さ
が原因となって、歌劇のなかにゲーテの求める精神を注入し、同時に娯楽作品として成り立たせるこ
とが極めて困難であることを物語っている。実際、 19世紀初めに活躍した歌劇作曲家たちの中には、
戯曲の魅力を認めつつ歌劇制作には手を出せない者、歌劇化に取り組むが志半ばで諦めた者が言葉を
残している。 
そうした中、歌劇の分野ではヒット作を未だ生み出しておらず、ドイツ語を解さないシャルル・フ
ランソワ・グノー Charles François Gounod (1818年-1893年) がこの大作に挑み、今日では世界中
の名だたる歌劇場の上演レパートリーに組み込まれるまでに成功を収めたことは並大抵のことでは
ない。グノーの歌劇《ファウスト》には、なにか観客の心をとらえて離さない大きな魅力があり、様々
な批判を跳ね除けて不動の人気を誇っているのではないだろうか。 
筆者は第二回博士リサイタルで本作に取り組み、ハイライト形式で演奏発表した。その時に最も強
く感じたのは、グノーのマルガレーテの「強さ」であった。これまで、原作やドイツ歌曲を通して触
れてきたマルガレーテとはまた違った「強さ」である。漠然としていて何故そう感じるのか、何が「強
い」のか分からない。しかし、これこそグノーの描くマルガレーテの姿であり、その正体を掴むこと
が出来れば、確信を持って演奏表現が出来るのではないか。本研究はこの様な疑問と推測を起点とす
るものである。 
本論文は、グノーの歌劇《ファウスト》における迫真性のあるマルガレーテを表出させることを目
指し、まず、グノーの描くマルガレーテの特質を探求し、それを踏まえて実践的にどういった表現方
法をとることが望ましいのか、留意点はあるのかを考察した。 
第一章では、田中岩男の先行研究を主な参考資料として、原作である戯曲『ファウスト悲劇第一部』
に登場するマルガレーテの人物像と「グレートヒェン悲劇」の捉え方を確認した。ここでマルガレー
テは、特殊なファウストと対極に生きる、一般的な人物として登場する。「グレートヒェン悲劇」とは
このような対極な存在様式に生きる 2人が出会ったことによって生ずる避けられない存在の崩壊であ
るということが、戯曲中の台詞やト書き、マルガレーテの劇中歌から明らかになった。 
    
 
第二章では、19世紀初めのフランスで『ファウスト』がどの様に受け入れられたのかを調べた。ゲ
ーテの『ファウスト』は理解されず、人々の関心は「グレートヒェン悲劇」に集中していたことが分
かった。また、フランス革命を経て発展していったメロドラマの演目として翻案上の《ファウスト》
が登場すると、物語の筋や登場人物の設定は大幅に変更され、マルガレーテに求められる役割も変化
するようになった。ここでマルガレーテはか弱く、悲哀な人物像として描かれ、観衆に愛でられるよ
うになる。次にこのような前提のもと、グノーはどの様に『ファウスト』を知り、歌劇《ファウスト》
を創作したのか作曲経緯を調べた。グノーの関心は、一貫してマルガレーテにあったことが母に宛て
た手紙から明らかとなり、自己投影していたことが分かった。さらにリリック座に足しげく通う小市
民階級の音楽愛好家の支持を受けたことにより、グノーの《ファウスト》は着実にその人気を高めて
いくのであった。 
第三章では作品分析を行った。楽曲分析、また歌劇の台本、ゲーテの原作、下敷きとなったミシェ
ル・カレ Michel Carré (1822年–1872年) のメロドラマ『ファウストとマルガレーテ』の３つの作品
の場面や台詞の比較研究を行うことによって、グノーの描く「グレートヒェン悲劇」、そしてマルガレ
ーテの本質について深く迫った。これによって、本作の主軸となるものが何か、目指すべきマルガレ
ーテ像の輪郭が浮き彫りになった。以上を踏まえ、迫真性のあるマルガレーテを実際に表現する方法
を考察した。筆者は、グノーのマルガレーテを表現するには、思考や心情の変化について細かく明確
に把握しておくことが極めて重要であると結論付けた。彼女の内面から絞り出される音楽にこそ驚く
べきエネルギーが込められており、グノーの描くマルガレーテの本質である「強さ」が存在するので
ある。 
また本研究で様々なマルガレーテの姿を辿ってきたことによって、すべてのマルガレーテの人物像
に共通する‘一般的な人物像であること’の重要性を再確認できたことは有意義であった。ありふれ
た存在であった彼女だからこそ、観客は親しみを感じ、〈牢獄〉での凛々しい姿に心を揺さぶられるの
ではないだろうか。 
 
 
（総合審査結果の要旨） 
 
学位取得演奏は、グノー作曲のオペラ「ファウスト」からマルガレーテの主要な場面を抜粋して行
われた。感染対策として出演者全員がパーテーションで区切られた中で演技・歌唱を行ったが、その
難点を見事な発想で活かし、見ごたえのあるオペラ舞台を構成していた。この演出は本学出身の角直
之氏によるものであるが、角氏は松原の学位論文を熟読し、松原の目指すマルガレーテについて松原
と十分に話し合い、この舞台を作り上げられた。簡潔な中にも深い説得力があり、パーテーションが
各場面を象徴していたこの舞台は、オペラ公演の一つの指標にもなり得ると思われる。シューベルト
の歌曲を中心とした第一回の博士リサイタル、グノーのオペラ「ファウスト」を取り上げた第二回の
博士リサイタル、また論文執筆のために研究してきた多くの楽曲への取り組み、それらの成果が十分
に発揮された演奏となっていた。歌唱技術も向上し、表現も一層豊かになり、全体を通して非常に安
定した演奏であったと同時に、松原が描き出そうとするマルガレーテをしっかりと演じていた。  
学位論文は、「グノー作曲歌劇≪ファウスト≫における迫真性のあるマルガレーテの演唱表現」と
題し、「ファウスト」に登場するマルガレーテの演唱表現について論じている。第一章では、「グレー
トヒェン悲劇」についてゲーテの戯曲の考察を行い、さらにグレートヒェンの詩がどのように歌曲と
して作曲されてきているかということについて、楽曲分析を行いつつ論じている。第二章では、この
ゲーテの「ファウスト」がフランスでどのように受け止められ、グノーのオペラが誕生したかを、19
世紀のフランスという背景を考察しつつ、論じている。そして第三章では、マルガレーテの演奏表現
について考察し、松原の研究成果を述べている。十分に「言葉」を通して伝わるように表現し得てい
るかというと、まだ未熟な部分も散見されるが、丹念に考察し、自身の言葉で述べ、また論文と演奏
が相互に良い結果をもたらしていることが高く評価される。シューベルトの歌曲「糸を紡ぐグレート
    
 
ヒェン」から始まった松原の「グレートヒェン悲劇」の研究成果と、その舞台表現としての演奏に結
びつく論文であった。 
以上の点を踏まえ、合格と判断した。 
 
 
 


シャルル・グノー作曲　歌劇《ファウスト》における迫真性のあるマルガレーテの演唱表現 [要旨]

    
 
氏名 椎野 倫奈 
ヨミガナ シイノ リナ 
学位の種類 博士（美術） 
学位記番号 博美第665号 
学位授与年月日 令和3年3月25日 
学位論文等題目 〈論文〉 囲いの森－有機の形と色－ 
 〈作品〉 杜の径 
 〈演奏〉  
   
論文等審査委員   
（主査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 植田 一穂 
（論文第１副査） 東京藝術大学 教授 （美術研究科） 佐藤 道信 
（作品第１副査） 東京藝術大学 准教授 （美術研究科） 海老 洋 
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
（副査）   （）  
 
 
（論文内容の要旨） 
 
本論⽂は、森をモチーフとした囲いの空間を、有機的な形と⾊による抽象と具象の中間表現として描き
出そうとしている、筆者の創作論を論述したものである。 
ここで⾔う囲いとは、周りをふさいで囲むのではなく、進む⽅向を定める境界としての役割を持ち、径
や神社の⿃居を暗喩している。そして⾃作品での⿃居とは、神域と⼈間が住む俗界を区画する結界の意味
ではなく、通過する空間である。また、ここでの有機的な形と⾊とは、有機野菜などの有機ではなく、「⼈
⼯物には無い⾃然物による複雑な表情」を意味する。ドローイングして得た森の複雑な形象を、通過する
概念上の⿃居として再構成し、そこに岩絵具による偶発的な質感も交え、抽象と具象の間を⾏き来す 
る制作過程を⾔語化したいと思う。 
以下に、3章からなる本論⽂の章⽴てを述べた。 
第１章「囲いの森」 
第１節「都市の中の森」では、⾃作品における⼤⾃然ではない都市の中の森を、「不⾃然な⾃然」として
表現するようになった経緯と、モチーフとしている街路樹や公園について⽇本と⻄洋の⽐較から述べた。
また、囲いを通過する空間の他に、包まれる安⼼を感じさせる場所を描いた作品を例に挙げ、テーマの関
連性を⽰した。 
第２節「囲い」では、⽊⽴によってできる抜けの形が、⿃居の役割を果たし、通過する空間として二つ
の要素を持つことを論述した。一つは、通過する空間として内と外を分けるもの、二つには、意識と無意
識、現実と⾮現実を分けるものとしての要素である。前者については、ロマン主義のビアスタッドや、⽇
本画の狩野芳崖の作品に⾒られる洞窟を例に、光と影、内と外が、平⾯上でどのように表現されているの
かを分析した。後者については、⾃作品では無意識の世界を内側に、現実としての都市を外側に表わして
いることを、述べた。第3節「囲いの森」では、森の形象をスケッチし、そこから重要な線を抜き出すこ
とで抽象化した、中間表現について論述した。 
 
    
 
第2章「有機の形と⾊」 
第1 節「有機」では、前章で論じた境界について、⾝体性をともなって具象と抽象を⾏き来する画⾯を、
筆者の制作での発酵熟成とし、岡崎乾⼆郎の著書『抽象の⼒』を援⽤して解説した。また⾃作品のスケッ
チを⽤いて、無意識や記憶から⽴ち上がる形を幽⽞な世界観として表現できる可能性があることを述べ
た。 
第２節「⾊」では、⽇本画の古⾊のような⾊彩が、⻄洋の油絵より、⾃然の⾊彩を豊かに表現できる可
能性について考察した。岩絵具と⽇本の⾵景の⾊との相似性、⽇本画の⾊、⽇本独持の⾃然に対する⾊彩
感覚について論じた。 
第３節「有機の形と⾊」では、第１・2節で述べた、有機的な形と⾊を⽤いた中間表現としての世界観に
ついて論述した。具象的な森でもなく、抽象的な形と⾊でもない作品の、”完成”について⾔語化した。 
第３章 提出作品「杜の径」 
第１章、２章を踏まえ、森を主題とする⾃作品と提出作品「杜の径」について解説した。 
終章では、本論⽂のまとめと、現在の課題と展望を述べた。 
 
 
 
（論文審査結果の要旨） 
 
本論文は、都会の中で限られた緑地スペースとしてある公園や並木道、屋敷林などに惹かれる筆者が、
自然と人工の交錯領域を表現する試みを論述した創作論である。 
  7才頃まで海外で多く過ごした筆者にとって、言語の壁からのがれて一人になれる公園や並木道はホッ
とする場だったらしいが、整然と刈り込まれた街路樹や幾何学的な区画整理には違和感を感じたらしい。
親近感を感じたのは、東京でよく見る桜並木や遊歩道など、ゆるやかに曲がりながら両側の樹木がトンネ
ル状になった小径らしい。それが、高速道路の高架下周辺の風景を、あえて支柱を樹木に換えて描いた提
出作品につながっている。 
  第１章「囲いの森」では、まず筆者が魅力を感じる都市の中の森が、幼少時に都内の近所にあった資産
家の屋敷林の記憶に発していること。そして西洋と日本の公園や街路樹、道などを比較し、西洋での直線
的な道路や垂直の樹木より、樹幹や道がうねり、奥まった先が見通せない日本の並木道が、筆者の描きた
い景色であることを確認する。ただ西洋式の日本の公園や、ナチュラルさが計算された大名庭園などには、
やはり違和感を感じるらしく、人工と自然の交錯領域をさぐる筆者の基準が、かなり微妙で独特らしい様
子がうかがわれる。「幼い頃に海外を転々とし、その度に環境や価値観が変わったことから、変わらない
根源的なものを探すようになったからかもしれない」という筆者自身、まだそれを模索中なのだろう。 
  第2章「有機の形と色」では、筆者が必ず行なうという森や樹木のスケッチを通して、無意識や記憶か
ら立ち上がる形が「有機の形」であること。また日本画の顔料で和紙に描く色の感触は、森の色あいと似
ており、日本の自然を描くのに親和的な「有機の色」であるとする。結果として筆者が描く風景は、曇り
の黄昏時をイメージした、湿気を含むグレーの「中間表現」が多いことを説明する。 
  第3章「提出作品「杜の径」」では、筆者のいう都市の中の「囲まれた森」は、実態としては「杜」に近
く、大通りではない散策の道は「径」に近いことを確認して、提出作品を説明する。練馬区大泉の高速道
路に囲われた杜に取材し、支柱を寿福寺の楠におきかえて描いた本図は、朱・黄・青・緑の4色を重ねた
茶色やグレーの色で描かれている。フラ・アンジェリコのフレスコ画の包みこむような色彩を見て以降、
筆者は中間色や濁色を用い、現実世界の風景もほとんどが中間色だと知ったことが、現在の「有機の色」
につながっているとする。 
 ホンワカとした雰囲気の筆者同様、論文もややつかみ所のない印象もあるが、筆者の思考の輪郭を明確
化した学位論文として、審査員一同の承認を得た。 
 
 
    
 
（作品審査結果の要旨） 
 
申請者は都市の造成林や、街路樹、庭園を「囲いの森」と呼び、それらを「不自然な自然」と位置づけ
ている。本論は、申請者がその、「不自然な自然」に快・不快が曖昧な畏れと魅力を感じ、自身の作品の
モチーフとする意味。その根源を探る制作論である。 
申請者の定義する、「不自然な自然」といった矛盾をはらむ感覚は、美術大学への進学、特に日本画領
域に進んだ自身の経験の中で濃縮されていく。小・中・高校での美術教育、また受験準備における絵画基
礎の修練で身につけた西洋的な透視図法や、陰影での立体感を伴った実感と、日本画の持つ平面性を保持
した立体表現や婉曲的な実感との狭間で、矛盾した表現、矛盾したモチーフと相対しながら本人の語る
「切り捨てる表現」つまり、説明のための表現は切り捨て、感覚的な実感を追い求める制作スタイルに繋
がっていった。それでも足りない自身の体験の具現化には、木、草、石、土、水といったモチーフそのま
まの日本画画材に援護されていたとも語られる。 
提出作品「杜の径」は、自身が日ごろ目にしている都市風景を切り取った風景画である。幹線道路に隣
接 した造成林とのことだが、実際には中央に高速道路のコンクリートの橋脚があり視界を遮っている。
巨大なコンクリートと樹々の対比は申請者のいう「不自然な自然」に合致するモチーフと言えるが、下図
の推敲を重ねるうちに本画では橋脚は大木へと置換された。唐突に現れた巨木は所在なげにただ大きく、
画面に特異性を持たせる役を担うこととなった。画面内では自然物も人工物も一見水彩画のような静的
な表現で描かれている。作品の印象は所謂重厚な絵肌ではなく、むしろ絵の具の層は薄く水分の多い流動
性のある筆致と言える。曖昧で捉え所がないような、それでいて大きな質量、重力といったものを感じる
ところが興味深い。 
作品題名の通り都市の道と森がモチーフだが、自然讃美でも都市化礼賛でもなく、ただ都市と樹木が共
存することを得体の知れない美しさとして表現する意思が伺える。どちらかがどちらかを脅かすことも
なく、かといって融和もしない。ただ同一画面上にあって偶然性をあらわにしながらも計算された構成と
制御された表現をもって描かれている。それがこの作品の不思議な魅力の要因であると考える。 
論考ではウォーホル「キャンベルスープの缶」に触れ『大量消費する“人工”への違和感と、洗練された
デザインのギャップよる空虚な美』と評しているが、終章ではその表現の方法論を、申請者が「中間表現」
と呼ぶ理知的で緻密な絵画構成と、それと別次元にある曖昧で未完成の美とが融合した、矛盾しながら完
結する作品表現を用いて「そのままの姿を描くこと」であると論じている。提出作品では荒削りではある
ものの、申請者の語る「中間表現」、「そのままの姿を描くこと」、それらが融合した美意識の端が確かに
発揮されていると確認できる。また、制作に於ける日本画技法や、材料研究は非常に高い水準のものであ
ると認められる。 
審査会においては、審査員全員が一連の作品を学位にふさわしいものとして評価、判断し合格とした。 
 
 
 
（総合審査結果の要旨） 
 
申請者が絵画制作のモチーフとして選択する森は、大自然の森ではなく、都市の中に存在する人工物に
囲われた「不自然な自然」としての森である。申請者はそれを「囲いの森」と呼ぶ。幼少期、海外を転々
として来た申請者は、言語等の問題から一人で過ごすことが多く、中でも森で過ごした時間は申請者に
様々な思索を与えてくれた。幼少期の記憶や経験から森への親近感を覚えていた申請者は、当初、身の回
りの公園や森、大自然の森、それらを同列にとらえ、多くの風景画を制作してきた。しかし、ある時から
都市の中にある人工の森に違和感を覚えるようになり、その「不自然な自然」としての違和感を表現した
いと感じるようになり、やがてそれが制作の動機となっていった。 
本論文は、森をモチーフとした囲いの空間を、有機的な形と色による抽象と具象の中間表現として描き
だそうとしている申請者の制作論を論述したものである。申請者の幼少期の記憶や経験をもとに「不自然
    
 
な自然」の違和感がどこから来るのかを探っていくとともに、日本と西洋の庭や公園などを比較検証しな
がら論述していく。ドローイングして得た複雑な形象を画面上で再構成し、実感を追い求めながら抽象と
具象の間を行き来する現在の制作スタイルに繋がっていった経緯を述べる。動機としての論拠がややあ
いまいな気がするが、岩絵の具等の日本画材と申請者の現在の表現方法との親和性について述べるあた
りは申請者の独自の視点が感じられ、興味深い。 
提出作品「杜の道」は、高速道路の高架下に何十メートルにもわたって木々が人工的に植えられた風景
を取材したものである。付近に住む申請者にとって見慣れた風景ではあるが、申請者はその風景の人工性
に、ウォーホルのキャンベル缶の絵のような空虚な美しさを感じたという。作品の印象は一見すると普通
の風景画のようにも見える。しかし、絵の具を塗ってはそれを洗い流すという作業を何度も繰り返し複雑
な色味を作り出し、抑えた表現とも相まって申請者の作品に一貫する不思議な魅力溢れる作品となって
いる。粗削りには見えるが、絵としての形や色へのこだわりと描写の取捨選択は、申請者が目指す「中間
表現」を体現するものだとすると納得がいく。申請者の描かんとする美意識が垣間見える質の高いものに
なった。また、日本画の技法や材料研究も高い水準のものと認められる。 
以上の点から、審査会においては審査員全員の評価と承認を得、学位にふさわしい作品であると判断し
合格とした。 


囲いの森 : 有機の形と色 [要旨]

東京藝術大学博士 (音楽学)令和2年

井上, 果歩

イノウエ, カホ

INOUE, Kaho

    
 
氏名 井上 果歩 
ヨミガナ イノウエ カホ 
学位の種類 博士（学術） 
学位記番号 博音第346号 
学位授与年月日 令和3年3月25日 
学位論文等題目 〈論文〉 アルス・アンティクァにおけるリガトゥーラの規則と記譜 
   
論文等審査委員   
（主査） 東京藝術大学 准教授 （音楽研究科） 沼口 隆 
（副査） 東京藝術大学 教授 （音楽研究科） 大角 欣矢 
（副査） 東京藝術大学 教授 （音楽研究科） 福中 冬子 
（副査） 成城大学 教授 （文芸学部） 津上 英輔 
（副査） 東京学芸大学 准教授 （芸術・スポー
ツ・科学系音楽・
演劇講座） 
吉川 文 
（副査）   （）  
（副査）   （）  
 
 
 
（論文内容の要旨） 
13 世紀はヨーロッパの音楽文化が大きな変化を迎えた時期である。一つは計量音楽の隆盛である。そ
して、この初期の計量音楽の時期は、14 世紀のアルス・ノヴァに対してアルス・アンティクァと呼ばれ
る。アルス・アンティクァの計量音楽論あるいは記譜法においてとりわけ重要なのはリガトゥーラである。
リガトゥーラは計量音楽論が登場する以前あるいは計量記譜法が体系化される以前から、モーダル記譜
法（前計量記譜法）においてモドゥス（リズム・モード）ないし何らかのリズム・パターンを表す音符と
して用いられてきた。そして、計量音楽論ではモーダル記譜法のリガトゥーラを発展させ様々な音価の解
釈法あるいは新たな記譜が考案された。 
ところで、アルス・アンティクァの計量音楽論は前フランコ式理論（1270〜1280 年頃）とケルンのフラ
ンコ『計量音楽技法』（1280 年頃）後のフランコ式理論とに二分される。前フランコ式理論におけるリガ
トゥーラは、同じ形で記譜されたとしても、モドゥスの種類によってその音価は変動した。一方で、フラ
ンコは音価がモドゥスによって変動しないよう、既存のリガトゥーラの一部の記譜を変更することで、音
価を視覚的に書き分けた。このように、フランコのリガトゥーラは、モドゥスの文脈で音価が左右される
ことがなくまたモドゥス以外のリズムの配列を表すこともできたため、結果、モドゥスそのものの衰退を
引き起こしたと考えられる。ただし、フランコ自身はこれらのリガトゥーラがモドゥスの中で機能するこ
とを想定しているため、この脱モドゥスの動きはフランコ本人の意図とは逆の結果を招いたとも言える。 
いずれにせよ、フランコによるリガトゥーラの規則と記譜の改良は、音楽創作そのもののあり方を変え
た、あるいはその一要因となったと言える。少なくとも、アルス・アンティクァにおいてリガトゥーラは
単なる記譜のための記号ではなく、音楽の作法や様式、レパートリーのあり方の根幹に関わる概念であっ
た。ゆえに、リガトゥーラは当時の音楽のあり方を映す鏡であると言っても過言ではない。従って本論文
では、アルス・アンティクァの音楽理論家がどのようなリガトゥーラの規則や記譜を論じ、またそれらは
どのような場面で用いられることが想定されていたのかを検討し、リガトゥーラを通して当時の音楽の
諸相を探究することを目的とした。これまでも、Fritz Reckow の論文（1967）をはじめとする先行研究
がアルス・アンティクァの理論書におけるリガトゥーラの規則・記譜の解釈を試みてきたが、その多くが
校訂版に強く依拠しているため、本論文は、これらの一次資料の徹底的な見直しを行った。特に、後フラ
ンコ式理論および記譜法の一次資料を網羅的扱った研究はHeinzRistory の著書（1988）を除いてなく、
また近年新たに発見された後フランコ式の理論書もあるので、本論文はこのような新資料についても考
 
察した。 
そして、このような理論書の分析の結果、前フランコ式理論に見られる特有のリガトゥーラの規則や記
譜として、まずヨハネス・デ・ガルランディア（1270 年頃）や、第7 無名者（1270年頃）、『ブルージュ・
オルガヌム論文』（1270 年頃）、ザンクト＝エメラムの無名者（1279）、第4 無名者（1280 年頃）が言及
する3 音リガトゥーラへの還元や、ガルランディアと第4 無名者の逆プロプリエタスがあった。これら2 
つの規則の特徴は音数が増えれば増えるほど、リガトゥーラ内の音の長さは短くなるという点にあった。
ランベルトゥス（1275 年頃）やザンクト＝エメラムの無名者、フランコは最小となる音価を1/3 テンプ
スの小セミブレヴィスとしているが、これらの規則では、理論上は1/3 テンプスよりも短い音価を作るこ
とも可能で、音の長さの点で柔軟性を兼ね備えていた。楽譜写本を見ると、これらの規則が適用されると
思われる例が、モーダル記譜法や、プロプリエタスやペルフェクツィオの有無を区別しないモーダル記譜
法に近い前フランコ式記譜法による楽譜写本でいくつか見られた。そしてそれらはシネ・リッテラの書法
で書かれたコンドゥクトゥスのカウダやオルガヌムの上声部で用いられる傾向があった。 
また、前フランコ式理論ではリガトゥーラの音価の解釈や記譜が、理論家ごとに異なっており、唯一共
通するのが、ロンガ・ブレヴィス・ロンガの3 音リガトゥーラを最も基本となるリガトゥーラと見なして
いる点であった。対して、後フランコ式理論は一貫して、フランコ『計量音楽論』第7・8 章におけるリ
ガトゥーラの規則と記譜を引用していた。一方、フランコは第10 章でモドゥスにおけるリガトゥーラの
配列にも言及しているが、この章のテクストを要約・引用した後フランコ式の理論書は皆無であった。さ
らに、『計量音楽技法』の一次資料のほとんどが、フランコの理論とは異なる前フランコ式理論に近いリ
ガトゥーラをいくつか記譜していた。これは、1280 年以降には、モドゥスにおけるリガトゥーラの用法
が十分に理解されていなかったか、あるいはシネ・リッテラの書法におけるリガトゥーラがあまり必要と
されてなかった可能性を示唆する。ところが、後フランコ式記譜法による楽譜写本を見ると、フランコの
第10 章の記譜に忠実なものがいくつか見受けられる。つまり、第10 章の規則は、理論書の中での伝承は
廃れたが、記譜の実践面においては根強く継承されていた。 
このように現存するアルス・アンティクァの理論書を見ると、『計量音楽技法』第7・8 章の影響力が強
いあまりに、前フランコ式理論から後フランコ式理論への移行はかなり急なものであったように見える。
一方で、楽譜写本を見ると、前フランコ式記譜法から後フランコ式記譜法への移行は緩やかで、ときに共
存していた。換言すれば、理論書のみに注目すると、リガトゥーラの規則と記譜は『計量音楽技法』の第
7・8 章のあり方に統一されたように見えるが、楽譜写本を見る限り、新旧のリガトゥーラの規則や記譜
を柔軟に掛け合わせており、リガトゥーラのあり方はきわめて多様であった。 
 
 
（総合審査結果の要旨） 
当該論文は、西洋13世紀の記譜法に導入されたリズムや音価の表記法に関し、その変化の過程に着目し、
一次資料の徹底した検証に基づき、理論と実践の双方から明らかにしようとしたものである。 
リガトゥーラ（連結符）は、その個々の形状と相互の組み合わせによって、特定のリズム・パターンを
記録することを可能とし、これを基盤にリズムを伴った音楽（計量音楽）が記録されるようになった。こ
うした音楽の初期形態は、14世紀のアルス・ノヴァと対置されて「アルス・アンティクァ」と呼ばれるが、
「ケルンのフランコ」として知られる理論家の『計量音楽技法』（1280年頃）は、音価の相関関係を視覚
的に明確化し、モドゥス（特定のリズムパターン）に拘束されない柔軟なリズムの記譜を体系化したこと
で大きな節目となった。当該論文は、ここに至る過程、すなわち「前フランコ式理論」と位置付ける諸理
論と同時代の楽曲レパートリーの双方に目を配り、その多様性を仔細に記述した点で大きな功績をあげ
ている。理論書の写本の読み直しに当たっては、安易に対象を限定したり、独断的な発展史を描いたりせ
ず、個々の内容に真摯に向き合い、相互関係についても説得力をもって推論している。楽譜写本の分析か
らは、理論においては急な変化とも見られる記譜法の推移が、実践においては緩やかであったという興味
深い結論が導き出されている。内容の高度な専門性にも拘わらず、記述は平易かつ丁寧であり、視野に収
めた資料の広範さと併せて、今後の基礎研究となることが大いに期待される。 
    
 
惜しむらくは、膨大な作業の成果が、必ずしも効果的に大きな文脈の中に位置づけられていない点であ
る。先行研究は幅広く参照されているが、従来のいかなる知見に対して向き合おうとするのか、新たにど
のような貢献をしようとするのかが、序論と結論の双方において明確とは言い難い。また、モーダル記譜
法や計量記譜法のような基礎的な概念も、基礎的であればこそ、より厳格に対象を明示すべきであろうし、
リガトゥーラと関わるプロプリエタス、ペルフェクツィオといった術語についても、当時の使用法が非常
に混乱していたというのが実情であるとはいえ、研究であるからには、さらに一歩踏み込んだ整理や分類
が試みられて良かったであろう。文献読解においては、意味の通らない解釈や恣意的とも受け取られかね
ない訳文の省略が指摘されたが、難解な資料に誠実に向き合ったことが明白であるがゆえに一層、目につ
く瑕疵があったことが悔やまれる。 
もとより本研究が非常に多くの一次資料に果敢に挑んだ労作であることに疑いはなく、博士の学位を授
与するのに充分な研究成果であることは審査会においても異論の余地がなかった。今後、論理構築により
一層の磨きをかけ、研究者として大きく飛躍することを期待したい。 


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