26 research outputs found
Indiascapes. Images and words from globalized India Volume della rivista Anglistica, a.i.o.n. An interdisciplinary journal
No full textIndian culture is playing an increasingly imposing role in shaping new globalised scenarios,
contributing dramatically to a radical interrogation of its national, linguistic and geo-political ties.
This issue of Anglistica tries to highlight a few of the possible outlines that emerge from the
multifarious, variegated, complex cultural background offered by the Subcontinent, in both its
domestic and diasporic dimensions. Images and words from globalised India form a landscape in
which narrative, history, myth, fiction, the entertainment industry, linguistics, politics and the arts
stay side by side, each adding a piece to a tessellated, composite and obviously partial sketch.
Indiascapes, to paraphrase Appadurai, is the term we have chosen to represent this current
assemblage of languages and perspectives which speak about India’s cultural richness, its
complexity and ambiguity, trying to convey the strong appeal it is increasingly exercising upon the
de-territorialized world-space of the imaginary. The object of this group of essays could thus be
summarized as disparate but convergent reflection upon the vernacular terms of the inscription of
modernity on the globalised culture of the largest, most geopolitically important, but also
contradictory democracy in the world
Transnational subjects cultural and literary encounters. Introduction
No full textThe volume collects the selected papers from the literary and cultural sections of the XXVII AIA Conference (Naples 10-12 September 2015). The chosen theme, Transnational Subjects: Linguistic, Literary and Cultural Encounters, proved ideally suited to arouse a consistent and articulated debate on a series of crucial questions from a large number of scholars. In tune with the critical framework outlined by Bill Ashcroft on globalization and its supra–national function, all contributions here engage with the tense entanglement of transnational, transitional and translational issues that mark our age of global networks and traumatic dislocation. This pervasive process of hybridization has also changed the approach to the theory and history of literature, calling for a revisionary debate on ‘world literature’ in which transnationality and interculturality help connect in unforeseen ways past and present texts, authors and translations
Fascino e paura dell’iperspazio nella narrativa contemporanea
No full textNegli ultimi decenni il dibattito sull’impatto che le nuove tecnologie hanno sulle forme del narrare si è andato intensificando, stimolato in particolar modo dallo sviluppo della letteratura digitale: una letteratura che sempre più è vista nella sua dimensione processuale e performativa, caratterizzata come appare dalla molteplicità, dal movimento, dall’apertura e dal rimando continuo a dimensioni esterne, dall’interazione e dalla trasformazione. Basta esplorare un ipertesto letterario per scoprire come in effetti il libro abbia smesso davvero di essere un oggetto e sia diventato uno “spazio della performance” (Moulthorp 1995): uno spazio accessibile da più punti e praticabile dal lettore/performer secondo percorsi e direzioni diverse; uno spazio a-sequenziale che si lascia facilmente immaginare come un labirinto o un rizoma, all’interno del quale ci si trova spesso a perdere l’orientamento e quindi a tornare sui propri passi, in cerca della rassicurante fine della storia. Senza parlare degli ipertesti connessi in rete, che diventano stratificati spazi topografici potenzialmente infiniti e vertiginosi. Perciò, nonostante ci venga ricordato che l’allarme circa la possibilità di perdersi nell’iperspazio sia cessato da tempo, non meraviglia che l’effetto di spaesamento sia ancora molto forte e che altrettanto forte sia anche la resistenza verso quella che in molti considerano ormai l’ineluttabile transizione verso il web e la cosiddetta web literature. Non meraviglia neanche che molti degli scrittori più all’avanguardia, fantascientifici e non, stiano anche affannosamente cercando di fare i conti con questa profonda trasformazione e che nel farlo rivelino un atteggiamento di fondamentale ambivalenza, tra fascino e paura, appunto, rispetto agli imprevedibili scenari futuri che finiranno lentamente per soppiantare il passato. E se una delle maggiori paranoie è legata proprio alla possibilità di veder svanire la stampa, se non la scrittura per come la conosciamo noi, in una nebbia di bit invisibili, è proprio perché sono l’invisibilità e l’immaterialità del codice che sottosta al linguaggio digitale a sfuggire al controllo umano. Così, di contro a questa tendenza a vaporizzare la materialità che Mark Hansen (2000) vede pervasiva nell’approccio e nella critica a quella 'Technology Beyond Writing' che dà il sottotitolo a un suo volume, sono molti i testi – come quelli sperimentali presi in analisi di Mark Z. Danielewski, "House of Leaves" (2000) e Steven Hall, "The Raw Shark Texts" (2007) – che per reazione o contro-bilanciamento mettono in primo piano proprio la materialità della scrittura a stampa, seppur imprimendo ad essa quel movimento e quel 'sense of becoming' molto più tipici di una performance che di un libro
"Il sogno cambia segno: il parco a tema come forma di storytelling e le nuove distopie disneyane"
No full textCon l’uscita della serie televisiva Westworld si conferma la crescente attenzione del mainstream per il concetto di performance come ricerca di un’identità alternativa. Se Schechner parlava dei performance studies come «a method of analysis, a way to understand the world as it is becoming, and a necessary tool for living» (2012) l’idea di analizzare luoghi in cui la performance può esistere come alternativa al mondo reale, per quanto “a tempo”, in un’esperienza a cui lo spettatore non solo assiste, ma a cui partecipa, possono aiutare a capire molto della realtà e della cultura in cui vengono costruiti. Basandosi sullo studio di Scott A. Lukas che osserva come «the theme park is a performance about and through people» (2008) si propone quindi una riflessione su come mai molti parchi a tema siano basati su pretesti letterari e prediligano per il visitatore/performer alcuni “episodi” narrativi piuttosto che altri. Trasformare l’espediente narrativo in materia esperibile, dal labirinto di Alice in Wonderland al caso di Jurassic Park, è parte del processo per cui la teoria di Lukas propone una lettura del parco stesso come testo, come accade anche nella paradossale dimensione di Westworld. Nella riflessione sulle storie e sui romanzi che ispirano questi luoghi, l’intervento si propone di indagare quanto la tematizzazione dello spazio metta in atto dei meccanismi performativi in cui il sé sperimenta i suoi limiti e le sue potenzialità, trasformandosi in una sorta di spettatore che vive un’esperienza “totale”, come la intendeva Artaud. Da una parte attraverso la trama di Westworld e le sue suggestioni si ragionerà su come individuare attraverso lo spazio “tematizzato” il carattere performativo dalla letteratura. Dall’altra anche attraverso il romanzo Down and Out in the Magic Kingdom di Cory Doctorow, il cui titolo si riferisce all’opera orwelliana Down and Out in Paris and London, si analizzeranno le caratteristiche del parco a tema come esperienza di realtà alternativa, ma costantemente in dialogo con la vita nello spazio urbano
“Al crocevia di fertili negoziazioni”
No full textFrom an interdisciplinary overview, the paper focuses on the intricate scenery of the ongoing debate concerning the origins and theorizations of the English novel, highlighting the disruptive impact of new critical stances, from Cultural Studies to Gender and Postcolonial Studies and New Historicism, that all have contributed to a radical revision of the national and patriarchal canonization that the ‘modern’ genre had undergone in the last two centuries. Indeed, the critical re-mapping of the eighteenth century as a turbulent, transitional, unstable cultural era has turned the attention to the complex and delicate interplay between tradition and innovation, conformism and transgression, ‘Ancients’ and ‘Moderns’, eroticism and power at stake at the core of the novel itself as a flexible and omnivorous genre, a ‘new’ and privileged site of cultural production for the agenda of national, social and sexual acculturation. Accordingly, the most recurring image discussed in the paper is that of a crossroads of multiple, fruitful negotiations in order to account for the provisional, problematic and open-ended character of the debate itself
"Nuove Case di Bambola: dinamiche performative negli spazi della coppia dal salotto borghese a Internet"
No full textL'adesione a pratiche sociali per entrare a far parte di una collettività avviene attraverso dinamiche profondamente performative.
Sopratutto nell'identificazione con un genere sessuale l'individuo si trova
costantemente a dover fronteggiare la Norma come costruzione regolatrice al contempo garante e inibitoria. Aderirvi o disattenderla fa parte delle sperimentazioni identitarie nel dialogo tra il sé e l'altro. Gli studi di J. Butler in Undoing Gender aprono a una dimensione più fluida nell'adesione al genere, suggerendo che anche la categoria sessuale a cui appartenere può essere scelta o performata. Gli studi antropologici, psicoanalitici, sociologici e artistici sul genere si nutrono e
sono nutriti dalle denunce dei movimenti per la libertà di scelta nella affermazione dell'identità sessuale. I Performances Studies in particolar modo si situano al crocevia di questi approcci, contribuendo al disvelamento dei meccanismi alla base delle pratiche sociali ascriventi con cui le problematiche di genere si confrontano costantemente. L'articolo mira ad identificare gli elementi di continuità/rottura
nei meccanismi performativi con cui si costruiscono i rapporti di coppia,
nucleo alla base della vita comunitaria, attraverso tre produzioni artistiche: una teatrale, Casa di bambola (1879) di H. Ibsen, una letteraria Le ho mai raccontato del vento del nord (2010) di D. Glattauer, una cinematografica, Her (2013) di S. Jonze. L'atto rivoluzionario di Nora alla fine del dramma ibseniano rappresenta una delle prime grandi messe in discussione del gioco delle parti tra i generi, ma cosa accade
quando la nuova casa di bambola diventa la rete? Nella contemporaneità internet è riconosciuto come prolungamento dello spazio di costruzione e contestazione del sé, in cui genere e sessualità sono concetti meno regolamentati. Il virtuale, aprendo a possibilità performative più ampie e giocando su anonimato e anomia, da un lato
appare una piattaforma dove sperimentare una totale libertà sessuale,
dall'altro reitera meccanismi perversi che danno vita a nuovi spazi
claustrofobici in cui l'altro diventa strumento di soddisfacimento
narcisistico di cui si finisce per voler disporre. Mentre nel romanzo
austriaco si assiste al ribaltamento del cliché uomo manipolatore/donna
manipolata, in Her il discorso è portato all'estremo: cosa succede se
l'oggetto del desiderio in questione è anche immateriale
"Kemp's Nine Days' Wonder: Intertextual Acrobatics between Stage, Pace and Page"
No full textThe paper focuses on Kemp’s Nine Days’ Wonder, the only published writing by the famous Elizabethan actor which relates the stages of his memorable morris dance from London to Norwich in 1600 assembling an impressive variety of hybrid modes and forms, which in a way transposes onto the written page the dynamic, carnivalesque and liminal dimension of the live performance itself. The main narrative is set in form of an ordered chronological and spatial journal (that is, ‘the nine days’ journey’) but is continuously disrupted by Kemp’s strategy of professional improvisation, which turns every encounter on the road with all sorts of people into a pretext for showing both his physical prowess and his verbal skills, thus mimicking a sort of acrobatics between different paces (impressive leaps, running steps, pauses, the incessant flow of crowds of spectators) and different genres (farcical elements, dramatic monologue, social satire, punning, an “odd Rime”, a ballad, riddles and proverbs, and so on …). The intertextual richness of the text is further reinforced by a paratextual fringe, signalled at the beginning by “An Epistle Dedicatory” and at the end by “Kemp’s Humble Request”, thus offering vivid insights into that battle of authors and actors, script and performance which was on display as a dramatic, social and cultural issue in those turbulent and transitional years of the Elizabethan age
“The 'Double' Nature of Art in Eighteenth-Century England. Pope, Addison, Hogarth”
No full textAs a significant number of critical and theoretical work concerning the long eighteenth century has recently shown, the transition from the seventeenth to the eighteenth century was marked by a number of huge cultural transformations. In such a fluid and controversial scenario aesthetic questions regarding inspiration and technique as well as the notions of authorship and literary criticism became more and more entangled in social and economic issues. Accordingly, all efforts at investigating the essence and scope of poetry were deeply imbued with a growing anxiety concerning class mobility and the new technologies of money manipulation.
The paper draws attention to three pivotal stages of that cultural milieu: Pope’s variegated production of Essays, Addison’s Pleasures of the Imagination, and Hogarth’s Analysis of Beauty.
In the exploratory and polyphonic structure of the Essay on Criticism and Essay on Man Pope’s urge to idealise the aesthetic experience by stressing the harmony of all things reaches its apex and is concomitant with the poet’s need to dissociate his authorial investment from the crowd of vulgar would-be authors, but in spite of all insistence on order and propriety as prerequisites embodied in Nature itself, a significant zone is still left open to doubt and equivocations.
In the numbers of the Spectator devoted to the imagination, Addison focuses on the absolute pre-eminence accorded to sight as the privileged vehicle of aesthetic experience, but equally noteworthy is the attention the essayist pays to the reciprocal emulation between Nature and Art, which issues in a radical ambiguity and the delighted hesitation of the eye of the mind between ‘copies or originals’.
A thorough, decisive attack against the Neoclassical theorization of Beauty is instead launched by the most eccentric painter / author of the age, William Hogarth. With its attention to the resourceful maps of the human body and to the hybrid topography of contemporary London, Hogarth’s Analysis traces a sort of ‘pedagogy of vision’ which ultimately seems to apply a sort of Swiftian, ‘anatomic’ lesson to the rigid, standard monuments of the dominant culture
