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La lengua española y el Atlántico: el panhispanismo antes y después de Trump
No full textThis article examines the role of the Spanish language as a central element of Spain\u27s efforts to strenghten its international soft power after the Transition to democracy. More specifically, it follows the contemporary transformation of language academies from their historical role as custodians of the language\u27s purity to stewards of a transatlantic pan Hispanic unity. The article unveils how this transformation was carried out in part through a narrative in which memory and forgetting render the Atlantic an idealized unifying trope that erases the conflictual elements of the post-colonial relationship between Spain and its former colonies in the Americas.Este artículo examina el papel del español en el fortalecimiento del poder blando de España tras la transición a la democracia. En concreto, expone el devenir reciente de las academias de la lengua, que transformaron su rol histórico como custodios de la pureza del idioma en un liderazgo orientado a la unidad panhispánica transatlántica. El estudio revela que esta metamorfosis incluyó la producción de un relato histórico en que memoria y olvido se conjugan para crear un poderoso e idealizador tropo atlántico que borra la disputa como elemento constitutivo de la relación poscolonial entre España y sus antiguas colonias en la América hispanohablante
Los fantasmas luminosos de La habitación de al lado (Pedro Almodóvar, 2024)
No full textThe unrepresentable nature of death presents itself as a major challenge at a cultural moment when rites and myths no longer accompany death, and science prolongs the life of bodies without respecting the subjectivities that are perishing. Pedro Almodóvar has been embroidering death throughout his work, but from 1999, the year in which the premiere of All about my mother and the death of his mother coincided, the children began to die. Work by work, the filmmaker confronts his end by returning, as evidenced by this trajectory towards the first desire in Dolor y Gloria (Pain and Glory, 2019) and the memories of war wounds and the unwanted daughter in La habitación de al lado (The Room Next Door, 2024). The analysis of this film and its comparison with the novel Cuál es tu tormento (Nunez, 2021) will allow us to notice that Almodóvar\u27s writing does not approach death as something terminal but as something mythical and original, opening a place for ghosts and constructing a good distance with the others thanks to the shelter of the voice.Lo irrepresentable de la muerte se presenta como un desafío mayor en un momento cultural donde los ritos y los mitos ya no acompañan hacia esta y la ciencia alarga la vida de los cuerpos sin respetar las subjetividades que agonizan. Pedro Almodóvar ha ido bord(e)ando la muerte a lo largo de su obra, pero a partir de 1999, año en el que coinciden el estreno de Todo sobre mi madre y el fallecimiento de su madre, comienzan a morir los hijos. Obra a obra, el cineasta confronta su final volviendo, como constata esa trayectoria hacia el primer deseo en Dolor y gloria (2019) y los recuerdos de las heridas de guerra y de la hija que no se ha deseado en La habitación de al lado (2024). El análisis de esta y su comparación con la novela Cuál es tu tormento (Nunez, 2021) nos permitirá advertir que la escritura de Almodóvar no aborda la muerte como algo terminal sino mítico y original, abriendo un lugar para los fantasmas y construyendo una buena distancia con los otros gracias al abrigo de la voz
La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995): crisol de intertextos
No full textApproaching The Flower of My Secret with the perspective offered by time, many years after its completion, allows us to see how this film consolidates a few elements and precesses that will inform Almodóvar´s subsequent films. Among these, those related to intertextuality stand out, and which this film employs in a wide range of ways, from the incorporation of texts from the filmmaker´s own work or others, to the inclusion of references traced to fundamental authors in the history of cinema such as Alfred Hitchcock, and even the annexation of passages from the filmmaker´s own life. This work, based on a textual analysis of the film, examines these variations of intertextuality, from the functions that, with their incorporation, the source text performs to the marked revitalization of the traget text.Abordar actualmente La flor de mi secreto con la perspectiva que ofrece el tiempo, muchos años después de su realización, posibilita comprobar cómo en este filme quedan fijados un buen número de nutrientes y procedimientos de los que se alimentarán las películas posteriores de Almodóvar. Entre ellos cabe destacar los relacionados con la intertextualidad, y que este filme practica según una amplia gama de variantes, desde la incorporación de textos propios o ajenos a la obra del cineasta, hasta la inclusión de referentes rastreados en autores fundamentales de la historia del cine como Alfred Hitchcock, y pasando por la anexión de pasajes de la vida del propio cineasta. El presente trabajo se ocupa del estudio, a partir de un análisis textual del filme, de estas variantes de intertextualidad, tanto de las funciones que, con su incorporación, desempeña el texto de partida, hasta la revitalización acusada por el texto de llegada
Adaptación, género cinematográfico y violencia en Carne Trémula (1997) de Pedro Almodóvar:: “Yo quiero que tú sufras lo que yo sufro”
No full textThis article examines the film adaptation of Ruth Rendell’s novel Live Flesh (1986) in Carne trémula (1997), exploring its narrative transformations and shifting engagement with film genre conventions. It analyses the malleability of the generic palimpsest, highlighting how Almodóvar integrates elements of neo-noir, melodrama, and psychological thriller into his reinterpretation. In this regard, the article addresses the adaptation strategies and the film’s degree of autonomy from the novel, both in terms of narrative structure and character construction, which oscillates between two paradigmatic extremes (cinéma d’auteur vs film genre.) Furthermore, the article scrutinises the representation of violence through different typologies—state violence (Francoism), institutional violence (police), and symbolic violence (gender and masculinity)—revealing the ways in which Almodóvar subverts certain conventions of film noir. The article also explores urban space as a narrative agent, reflecting Madrid’s transformation from the final decades of Francoism to late capitalist modernity in the 1990s. Finally, by emphasising its intertextual dimension and the tension between fatalism and redemption in Almodóvar’s poetics, Carne trémula is pondered as an amalgamation of genres that remains firmly committed to discursive expansion and the director’s distinctive stylistic vision.Este artículo examina la adaptación cinematográfica de la novela Live Flesh (1986) de Ruth Rendell en Carne trémula (1997), explorando sus transformaciones narrativas y su concurrencia vacilante con el cine de género. Se analiza la maleabilidad del palimpsesto genérico, destacando cómo Almodóvar introduce elementos del neo-noir, el melodrama y el thriller psicológico en su reinterpretación. En este tanto, el artículo aborda las estrategias de adaptación y el grado de autonomía del filme respecto de la novela, tanto a nivel narrativo como en la construcción de personajes que oscilan entre ambos extremos paradigmáticos (cinéma d\u27auteur vs. cine de género). Asimismo, se estudia la representación de la violencia en distintas tipologías: estatal (franquismo), institucional (policial) y simbólica (género y masculinidad), evidenciando las modalidades de subversión de ciertas convenciones del cine negro postuladas por Almodóvar. El artículo explora el espacio urbano como agente narrativo, reflejando la transformación de Madrid, desde las últimas décadas del franquismo hasta el capitalismo tardío noventero. Finalmente, haciendo hincapié en su dimensión intertextual y la tensión entre fatalismo y redención en la poética almodovariana, se pondera a Carne trémula como amalgama de géneros sin claudicar del compromiso con la expansión discursiva y el estilo personal de Almodóvar
Fotografías rotas y función paterna: análisis textual de Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y Dolor y gloria (2019)de Pedro Almodóvar
No full textThis article analyzes the motif of the cut photograph in Pedro Almodóvar’s filmography, with special attention to All About My Mother (1999), Talk to Her (2002), and Pain and Glory (2019). Drawing on a textual analysis approach, it examines how family photographs—particularly when they appear split, fragmented, or reframed—function as narrative devices that articulate the presence and absence of the paternal figure. The hypothesis argues that the broken photograph constitutes a structural core of Almodóvar’s universe: the images reinforce the centrality of the maternal imago and reveal the fragility or disappearance of the father. The comparative study outlines three positions of the father and their effects on the subjectivity of the children: absence in All About My Mother (psychosis), disavowal in Talk to Her (perversion), and partial inscription in Pain and Glory (neurosis). In this way, the analysis sheds light on how the use of photographs in Almodóvar’s cinema thematizes the fragility of filiation while simultaneously mapping the subjective structures described by psychoanalysis.El presente artículo analiza el motivo de la fotografía recortada en la filmografía de Pedro Almodóvar, con especial atención a Todo sobre mi madre (1999), Hable con ella (2002) y Dolor y gloria (2019). A partir de un enfoque basado en el análisis textual, se estudia cómo las fotografías familiares, especialmente cuando aparecen partidas, fragmentadas o reencuadradas, funcionan como dispositivos narrativos que articulan la presencia y ausencia de la figura paterna. La hipótesis sostiene que la fotografía rota es un núcleo estructural del universo almodovariano: las imágenes refuerzan la centralidad de la imago materna y revelan la fragilidad o desaparición del padre. El recorrido comparativo muestra tres posiciones del padre y sus efectos en la subjetividad de los hijos: la ausencia en Todo sobre mi madre (psicosis), la renegación en Hable con ella (perversión) y la inscripción parcial en Dolor y gloria (neurosis). De este modo, el análisis ilumina cómo el trabajo con fotografías en el cine de Almodóvar tematiza la fragilidad de la filiación, a la vez que configura un mapa de las estructuras subjetivas descritas por el psicoanálisis
Entrevista con Javier Aguirresarobe.: La Escuela Oficial de Cinematografía (EOC) y la especialidad de Cámaras.
No full textThis paper presents an in-depth interview with Javier Aguirresarobe, one of the most prominent cinematographers in the history of Spanish cinema. The conversation focuses exclusively on his period of training in the Madrid Film School. Despite a growing body of scholarship, the training of cinematographers remains a historiographical lacuna. The interview reconstructs key aspects of the school´s final phase and describes the pedagogical criteria, practices, and codes of conduct in place in the period immediately preceding the school’s closure in 1976 (Aguirresarobe graduated in 1973). The testimony shows on the classicist framework to which the learning processes were subject, processes that affected not only the interviewee himself but also a generation of film professionals during a moment of cultural, political, and aesthetic transition. This paper offers a basis for future research on technical training in filmmaking in Spain.Este trabajo presenta una entrevista en profundidad con Javier Aguirresarobe, uno de los directores de fotografía más destacados de la historia del cine español. El diálogo que se propone se centra exclusivamente en su etapa de formación en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC). Aunque cada vez hay más trabajos sobre la formación de los directores de fotografía, en la actualidad sigue siendo una laguna historiográfica. La conversación reconstruye aspectos clave de la última etapa de la EOC y describe criterios pedagógicos, prácticas y conductas vigentes en el momento que precedía de forma inmediata a la clausura del centro en 1976 (Aguirresarobe se tituló en 1973). El testimonio alumbra sobre el clasicismo al que se encontraban sujetos los procesos de aprendizaje, los cuales afectaron no solo al propio entrevistado, sino a una generación de profesionales del cine en un momento de transición cultural, política y estética. De este modo, el trabajo se ofrece como base para futuras investigaciones sobre formación técnica del cine en España
De la periferia a la proyección internacional: construcción de una industria de la animación en Canarias
No full textThis article analyzes the development of the animation industry in the Canary Islands, exploring how a historically peripheral territory has undergone remarkable growth to rank only behind Spain’s two main hubs: Madrid and Catalonia. The aim is to examine the cultural, institutional, and economic factors that have enabled this transformation, as well as their impact on creating opportunities for design and animation. A qualitative methodology is employed based on a multiple case study that combines semi-structured interviews, a review of institutional sources, industry reports, and press analysis, complemented by the study of representative companies, training programs, and professional events. The findings show that sector growth has been supported by a set of interrelated elements: the creation of specialized education, the existence of highly competitive tax incentives, the consolidation of a local business network, institutional support, and international visibility through festivals and awards. These factors have enabled the transition from a scenario marked by a lack of infrastructure and networks to a competitive creative ecosystem that generates skilled employment, retains talent, and fosters internationalization from a peripheral island context. The article concludes that the Canary Islands constitute an example of a “propositive periphery,” capable of offering a replicable model for other non-central territories seeking to develop sustainable cultural industries.Este artículo analiza el desarrollo de la industria de la animación en las Islas Canarias, explorando cómo un territorio históricamente periférico ha logrado un enorme crecimiento hasta situarse únicamente por detrás de los dos principales núcleos del país: Madrid y Cataluña. El objetivo es examinar los factores culturales, institucionales y económicos que han permitido esta transformación, así como su impacto en la generación de oportunidades para el diseño y la animación. Se emplea una metodología cualitativa basada en un estudio de caso múltiple que combina entrevistas semiestructuradas, revisión de fuentes institucionales, informes sectoriales y análisis de prensa, complementada con el estudio de empresas representativas, programas formativos y eventos profesionales. Los resultados evidencian que el crecimiento del sector se ha sustentado en un conjunto de elementos interrelacionados: la creación de formación específica, la existencia de incentivos fiscales altamente competitivos, la consolidación de un tejido empresarial local, el apoyo institucional y la proyección internacional mediante festivales y premios. Estos factores han permitido el paso de un escenario caracterizado por la ausencia de infraestructuras y redes a un ecosistema creativo competitivo que genera empleo cualificado, retiene talento y favorece la internacionalización desde un contexto insular periférico. El artículo concluye que el caso de Canarias constituye un ejemplo de periferia propositiva, capaz de ofrecer un modelo replicable para otros territorios no centrales que buscan desarrollar industrias culturales sostenibles